craNeapolis

EN EL RUIDO, NUECES.

2012-01-18T11:33:00.000-08:00

Nueces que suenan. Semilla y fruto que tiene vida. Nueces de gargantas masculinas.

En el ruido es una propuesta de danza rockera, danza de hombre (lo que no niega que el rock también tega eco en el mundo femenino). Una puesta en escena cuya sensación es de estar espiando un atisbo de universo masculino.

Los intérpretes son dos hombres. La performance que realizan muestra un conflicto íntimo, privado.

Testosterona degenerada y generadora. Pulsión que crea. Shiva que danza construyendo un mundo. Personal, particular, con claroscuros y ruidos.

En la escena se muestra un equipo de guitarra, una guitarra eléctrica, televisores con distorsión.

Una forma quizás de representar las complicaciones de la comunicación humana, desde este rincón de hombres.

La pieza tiene momentos intensos donde parece construirse un amorío complicado, una relación de maestro y discípulo, un vínculo con tintes incestuosos.

Y rock, ruido, distorsión. Incomunicación verbal.

¿Cómo se construye un vínculo sobre ese fondo? ¿Cómo se comunica?

Es en esa poética ruidosa, con fricciones y ternura, donde surge la obra.

Porque, como dicen los autores, “si se escucha durante mucho tiempo,

en el ruido uno puede encontrar canciones”.

Qué: En el ruido

Quién: Idea: Rakhal Herrero.- Intérpretes: Sebastián Ezquerra, Rakhal Herrero.-

Vestuario: Melisa Califano.- Diseño de espacio e iluminación : Matías Sendón.-

Video: Lukas Valenta, Nele Wohlatz.- Música: Ulises Conti.- Fotografía: Pablo Mendez.- Asistencia de dirección y colaboración artística:: Josefina Gorostiza, Gastón Palermo.- Producción ejecutiva: Rakhal HerreroJosefina Gorostiza, Gastón Palermo.- Dirección: Rakhal Herrero, Diego Velázquez.- Prensa: Claudia Mac Auliffe

OTOÑO DEL OTRO LADO

2012-01-18T11:27:00.000-08:00

¿Dónde el otoño transcurre en un momento distinto al nuestro? ¿Cuándo es otoño del otro lado del planeta?

Esta pieza de danza conjuga el movimiento del cuerpo con la inspiración plástica. ¿No son acaso las líneas de una coreografía una imagen que se dibuja sobre el espacio tridimensional de la escena?

La propuesta que hacen mover las intérpretes en la escena juega con las diversas lecturas que se pueden hacer sobre un texto.

Sin querer colocar a la danza como texto o como lenguaje, la obra se para en los límites de los idiomas. La lengua materna que construye la base de la psiquis, si se coincide con la idea de que el lenguaje permite nombrar al mundo y a partir del que cada uno posea, la construcción que hará de él. Traducción/interpretación.

La traducción de un texto es ya una interpretación, una lectura entre otras posibles, un modo de mirar.

De lo distinto, cada uno se apropia desde su lugar.

¿Desde dónde se interpreta el Oriente?

Esta danza es una mirada personal sobre la evocación de esa cultura.

En escena, las bailarinas arman sus dibujos con trazos imaginarios. Una de ellas, además le pone color a un papel, da forma y transforma sobre el lienzo con los toques de un pincel.

Y el dibujo representado se conjuga con la danza, que sin ser texto, tiene también inspiración literaria.

Clarice Lispector detrás.

Agazapada en los movimientos que bailan en el espacio de la sala.

Qué: Otoño del otro lado

Quién: Dirección: Jazmín Tesone.- Autoría: Natalia Casais, Verónica Ravetta, Pilar Shinji, Jazmín Tesone.- Intérpretes: Natalia Casais, Verónica Ravetta, Pilar Shinji.- Vestuario: Raquel Ratkevicius.- Iluminación: Ricardo Sica.- Diseño de escenografía: Gustavo Coll.- Música original: Carlos Abriola, Javier Veraldi.- Operación de sonido: Cesar Montangie.- Fotografía: Eduardo del Burgo, Julieta Escardó.- Ilustradora: Verónica Ravetta.- Diseño gráfico: Javier Veraldi.- Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin.-

ONDA GRAVITACIONAL

2012-01-18T11:24:00.000-08:00

En la sala hay algunos objetos. Entre ellos parecen armar una cartografía espacial, un mapa a recorrer por la danza, una coreografía de señales concretas.

Piedras, trajes colgados de la pared, y hasta un gato que pasa indiferente. Todo forma parte de la propuesta, incluso los ecos vecinos que suenan y que nada tienen que ver con el universo que va a nacer a partir de una única energía en escena.

Una energía que se expande como ondas gravitacionales y que genera movimiento alrededor.

Movimiento. Vida.

Apoyada en su herramienta de cuerpo y voz, Rhea. Una mujer, una voluntad, un carácter.

Ella gravita.

Ella es una onda que gravita.

Como también es un insecto que se escurre en los márgenes, entre la naturaleza de la piel y la del espacio. Entre las rocas que parecen inertes pero poseen temperatura, peso, gravedad, vibran.

La protagonista se desplaza y se moldea bajo la dirección de otra mirada. Ella misma coreógrafa y directora, ahora está al servicio de otro que le propone una exploración diferente.

La intérprete parece un ser que se entrega para construir esta pieza que recorre el espacio y juega con su imaginación y la nuestra.

La obra marca un recorrido y deja en la memoria de la danza una huella móvil, cuyas líneas son como las ondas que emanan de una gota de lluvia al caer sobre el agua.

Sutil y reverberante.

Como su intérprete.

Qué: Onda gravitacional

Quién: Intérpretes: Rhea Volij.- Coreografía y Dirección: Majo Goldín.- Música original: Pablo Barboza.- Diseño de luces: Pablo Barboza, Franco Cappelletti.- Asistencia de dirección: Leandro Gomez de Quiroga.- Prensa: Emilio Rosales

Web: http://www.patadeganso.com.ar

LA PREGUNTA INCÓMODA. PRIMER LADO POSTERIOR

2011-11-30T09:19:00.000-08:00

¿Adónde van los muertos? ¿Dónde quedan sus voces? ¿Qué pasa con el cuerpo? Preguntas que uno puede hacerse pero con las que no se queda demasiado. Uno generalmente sale de ese espacio de interrogante sin respuesta para llevar adelante lo que tiene: la vida.

¿Pero qué pasa con ese otro lado que le da sentido?

Esta parece ser la cuestión que mueve la búsqueda artística de Krapp. Un grupo que sigue teniendo algo para decir aunque más no sea que no tienen ya qué decir.

A partir de ese interrogante sobre la muerte y su representación escénica, el grupo recurre a distintos artistas, colegas, amigos, para que les cuenten cómo representarían ellos la muerte en escena.

¿Por qué recurrir a otro?, podría ser una pregunta. Porque ellos no saben cómo toparse con eso, podría ser una respuesta. Pero lo que realmente importa e interesa en este asunto, es qué hicieron con eso, qué forma le dieron, si hallaron alguna pista, si corrieron algún velo, o si quizás, al menos, se distrajeron un poco. Ellos y nosotros.

Pero la obra no es una distracción.

Ni la pregunta por la muerte.

Entonces parece como algo que da vueltas sobre sí mismo y al girar se olvida que está dando vueltas. Así, poner en escena distintas formas de representar la muerte, es a la vez una reflexión y una distracción en la reflexión que lleva a olvidar la densidad de un interrogante sin salida. De lo que se trata es de representar. O no.

En la sala se ven las imágenes sobre fondo negro de los distintos artistas interrogados. Ellos imaginan y proponen una forma de representación de la muerte en escena. Aparece un título extraído sobre aquello propuesto por el artista/colega invitado (de acuerdo a la apropiación que hace el grupo). Casi a la par, se escenifica con una puesta que varía en relación a cada forma de imaginar la representación de ese final.

Krapp extrae su propio jugo.

En ese intercambio de imaginaciones donde juegan los ideólogos, los intérpretes y el público, se organiza la obra.

Una propuesta que confirma al arte como una vía autónoma de conocimiento.

Qué: Adónde van los muertos (Lado A)

Quién: Autoría: Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro, Fernando Tur.- Traducción: Sara Chaumette.- Vestuario y Escenografía: Mariana Tirantte.- Iluminación: Matías Sendón.- Diseño sonoro: Rodrigo Sánchez Mariño.- Video: Alejo Moguillansky.- Música original: Gabriel Almendros, Fernando Tur.- Asistencia de escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez.- Producción: Gabriela Gobbi.- Colaboración artística: Lola Arias, Fabiana Capriotti, François Chaignaud, Fabián Gandini, Stefan Kaegi, Federico León, Mariano Llinás, Mariano Pensotti, Rafael Spregelburd, Diana Szeinblum.- Dirección: Luciana Acuña, Luis Biasotto.-

UN TRANVÍA LLAMADO DESEO

2011-10-24T12:35:00.000-07:00

La propuesta que ofrece el Teatro Gral. San Martín, está basada en la obra Un tranvía llamado Deseo del escritor Tennessee Williams. Al apoyarse en un texto literario (sea éste obra de teatro o novela) puede considerarse como una propuesta de danza narrativa, que contará una historia aunque no siga una estructura lineal.

La protagonista de este relato danzado, sobre la que el director va a construir un nuevo universo, es Blanche Dubois, personaje femenino de la obra de Williams que termina internado en un psiquiátrico.

¿Cómo construir desde lo coreográfico el paso de los años, la pasión, el sufrimiento, la crisis, la escisión visceral de un ser? ¿Cómo representar desde el movimiento y simultáneamente, los distintos tiempos evocados en la escena? ¿Cómo ser y relatar todas esas vivencias desde la danza?

La obra va a dar las respuestas.

A partir de la escena final del psiquiátrico, Wainrot va a desarrollar un rico mundo coreográfico donde el pasado es recreado a través de flashbacks.

La propuesta escénica construye una historia hecha de retazos donde varias ‘Blanches’ se funden y confunden en un bello juego coreográfico.

La forma y el contenido se hermanan para relatar desde la danza sucesos y emociones vividas por los personajes.

Por un lado desde la propuesta visual, cuyo dinamismo recrea los distintos momentos en el tiempo. Cubriendo el fondo del escenario hay una especie de pared de puertas cuya iluminación convierte esos compartimentos en espejos que reflejan y confunden realidad y fantasía. Unas luces que iluminan esos espacios alejados generando climas, o los oscurecen hasta desaparecer de la vista.

Por otro lado, las secuencias coreográficas donde Blanche es una y tres a la vez. Hermosos momentos de desdoblamiento que ponen en relación los distintos niveles del tiempo así como los confusos planos de la mente. Un juego desde la composición formal que expresa las crisis de Blanche, donde la razón parece debatirse con los impulsos.

La puesta fluye como un movimiento integrado en el conjunto de las luces, la intensidad dramática de la danza y la música. Donde la escenografía aporta lo suyo para enmarcar y contener a nivel escénico, la propuesta.

La obra fluye como un arroyo de agua fresca que en su recorrido lleva la vivencia de una historia bailada. Una danza llena de pasión, de locura y de muerte.

Qué: Un tranvía llamado Deseo

Quién:Intérpretes: Victoria Balanza, Nicolás Berrueta, Nira Bravo, Melisa Buchelli, Facundo Bustamante, Carolina Capriati, Matías de Cruz, Flavia Dilorenzo, Lautaro Dolz, Laura Higa, Theo Kiyoyuki Yano, Matías Mancilla, Gerardo Marturano, Alexis Mirenda, Sergio Muzzio, Leonardo Otárola, Silvina Pérez, Diego Poblete, María Eva Prediger, Rubén Rodríguez, Andrés Rosso, Sol Rourich, Ivana Santaella, Agostina Scarafia, Sofía Sciaratta, Vanesa Turelli, Ivana Villada, Margarita Wolf.- Vestuario y Escenografía: Carlos Gallardo.-Iluminación: José Luis Fioruccio.- Música: Bela Bartók.- Banda de sonido: Edgardo Rudnitzky.- Asistencia coreográfica: Miguel Ángel Elías, Elizabeth Rodríguez.- Coreografía y Dirección: Mauricio Wainrot.-

Dónde: Teatro Gral. San Martín Avda Corrientes 1530 Teléfonos: 0800-333-5254 ó 4371-0111/18 Web: http://www.teatrosanmartin.com.ar

Cuándo: Domingo y Sábado - 17:00 hs.- Martes - 20:30 hs.- Viernes - 14:00 hs

VIRGINIA

2011-09-21T10:02:00.000-07:00

Virginia. De origen latino "virginis", su significado "virgen". A partir de esta idea se puedría vincular el título de la obra con lo virginal, con lo virgen, lo puro. Y pensar algo en relación a lo que esta palabre detone.

Pero detrás de este nombre se agazapa otro, el de Clarice Lispector, escritora brasileña cuyos relatos contagian con su atmósfera a esta danza, colocando a la literatura como fuente de inspiración (aunque no en cuanto a lo narrativo, solamente como disparador).

Después del título, la sala. Un pequeño espacio en Palermo donde se dictan cursos de investigación del movimiento. Este dato puede predisponer al espectador que se acerca a ver una propuesta proyectada quizás desde la investigación del movimiento. Lo que lleva a plantear, casi como una curiosidad, la pregunta sobre qué es lo que busca un espectador de danza cuando acude a ver una propuesta de este tipo

¿Pretende ver una coreografía de pasos ligados y fluidos? ¿Líneas, formas, virtuosismo? ¿Un baile apoyado en ritmos o melodías? ¿Un despliegue de expresión y de emociones? ¿O quizás que le cuenten una historia a través del movimiento?

Eso revela cuantas expectativas y hasta prejuicios pueden existir en un espectador, así como desde qué lugar miramos lo que miramos. Por lo que nada es puro ni virginal ni inocente.

Virginia es también silencio y soledad. El espacio es abarcado por una sola intérprete cuyos movimientos alternan entre cierto despliegue técnico y lo cotidiano. Las secuencias son repetitivas, cambiantes, dubitativas e incluso reflexivas.

La protagonista mira al público, observa el espacio donde se mueve, y parece sentir en el instante presente el pequeño impulso que la llevará al paso siguiente. Como si fuera una constante improvisación, un devenir.

En la sala hay una televisión sobre el piso que proyecta algunas imágenes que pueden interpretarse en complementación o contraste con lo que sucede en la escena. Unos números parecen dar un orden, como una dirección, a lo que transcurre. Uno, dos, tres…pero sin jerarquías, sin valoraciones.

Entre las imágenes, hay una de un hombre arreglando algo en una especie de torre de teléfonos, con lo que uno puede llegar a inferir que la comunicación es tema en esta obra. Quizás el núcleo, quizás un lateral. La comunicación y la soledad. La incomunicación, la imposibilidad de comunicar. La opacidad de los discursos, la falta de transparencia, las múltiples lecturas, las aberturas y orificios por donde se cuela el sentido.

Virginia balbucea unas palabras casi incomprensibles: “para mi Virginia es…” Nunca termina la frase por lo que el espectador no llega a saber qué es virginia para ella. Punto suspensivo para que el propio público construya qué es Virginia para él y le otorgue un sentido.

Finalmente, una imagen repetida de una ventana tapada con una cortina que no deja ver claramente lo que hay detrás pero que tampoco lo opaca por completo.

Nuevamente la imposibilidad de ver lo que hay debajo, del otro lado de la tela.

¿Qué hay del otro lado de una danza? ¿Qué hay detrás del movimiento? ¿Se puede ‘desenvolver’ completamente algo? ¿O es como un intento fallido de atrapar una realidad opaca que siempre se nos escapa?

Virginia, desde su soledad, su pureza, su duda, es todo esto y no es nada de esto.

Virginia es pensamiento. Y como tal, fluye.

Qué: Virginia

Quién: Idea: Viviana Iasparra, Melina Seldes.-Intérpretes: Melina Seldes.- Iluminación: Eduardo Maggiolo.- Video: Patricia Bova, Agostina Dolcemascolo, Nacho Iasparra, Bruno López.- Música original e intervención de imagen: Gabriel Paiuk.- Fotografía: Nacho Iasparra.- Diseño gráfico: Iumi Kataoko.- Asistencia de dirección: Guilherme Morais.- Prensa: Luciano Salseduc, Martín Seldes.- Colaboración en dirección: Gabriel Paiuk.- Dirección general: Viviana Iasparra.-

Dónde: LEM Fitz Roy 2290 Teléfonos: 4775 0857

Cuándo: Domingo - 18:00 hs - Sábado - 20:00 hs.- Hasta el 11/09/2011

SEMINARIO INTENSIVO INTERNACIONAL

2011-09-19T10:34:00.000-07:00

HASTA QUE SE AGOTA

2011-09-09T09:52:00.000-07:00

Con esta expresión de continuidad hasta el final, de darlo todo, de entrega, presenta Fabiana Capriotti su nueva propuesta.

Hasta que se agota pone en escena una coreografía vital y espontánea. Un despliegue donde tanto los movimientos como la corporeidad de los intérpretes, transmiten una especie de animalidad tierna y brutal.

Un texto en la pared del fondo instala el tema del tiempo. Por lo tanto, un aspecto de la danza se manifiesta ya desde el principio. Un comienzo que parece venir de una sucesión anterior, de un haber empezado antes, de estar empezando todo el tiempo.

La obra se hace preguntas desde el movimiento. Se plantea la danza como momento efímero y a la vez hace presente el deseo de atraparla, de tenerla, de poseerla para siempre como un objeto, conciente de que nada es para siempre.

Las relaciones que se establecen respecto de la duración de este momento fugaz que es el movimiento en vivo, como parte de la composición instantánea, la improvisación -y definitivamente, la vida- tienen que ver también con la valoración que se hace al respecto. Por eso la obra plantea el vínculo precio/valor ironizando sobre ello mediante un recurso puesto en escena con humor.

Otro aspecto que tiene que ver con el momento presente, así como con el ser y estar, con la permanencia de las cosas y los seres, es el espacio del cuerpo. La corporeidad como un lugar que se habita. Por eso, estos cuerpos que bailan o se detienen quedando congelados en una figura, son ‘reemplazados’ por otro cuerpo que adopta su misma postura. Es como si habitaran el espacio del otro, y el otro a su vez, cediera el propio espacio para compartir la experiencia.

Desde el habitar también explota el grito. Un grito que descarga lo que ni cuerpo ni palabras pueden. Un grito que parece aliviarse de lo que no es humano. Al mismo tiempo, un grito de desgarradora humanidad.

La propuesta de Capriotti está llena de matices que actúan como disparadores del pensamiento. Como si se tratara de una obra de danza surgida desde la reflexión filosófica. Hay allí una pregunta por el ser. Por la fugacidad, duración, permanencia. Por los deseos. Lo que está vivo.

Todo eso que late en los órganos de la danza.

Qué: Hasta que se agota

Quién: Dirección, texto y dibujos: Fabiana Capriotti.- Performers: Fabiana Capriotti, Lucía Disalvo, Gastón Palermo, Martín Piliponsky.- Iluminación y escenografía: Julieta Ascar.- Música original: Diego Monk, Sebastián Schachtel.- Fotografía: Eduardo del Burgo.- Diseño gráfico: Dina Roisman.- Asistencia de escenario: Débora Diskin.- Asistencia de iluminación y escenografía: Aldana Fernandez.- Asistente de dirección y producción: Lucía Disalvo.- Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin

Web: http://fabianacapriotti.blogspot.com

Dónde: EL CAMARÍN DE LAS MUSAS Mario Bravo 960.- Teléfonos: 4862-0655.- www.elcamarindelasmusas.com

Cuándo: Jueves - 21:00 hs - Hasta el 27/10/2011

PLANO MÓVIL

2011-08-18T16:50:00.000-07:00

La obra se desarrolla en la sala Cancha del Centro Cultural Ricardo Rojas. Una sala con techo de chapa y aspecto de galpón, que cuenta con la suficiente altura para realizar acrobacias aéreas.

Usada a lo largo, la puesta cuenta con mayor espacio en profundidad que la zona ocupada por el público. Este fondo es utilizado plásticamente en la propuesta donde el espacio y sus coordenadas ocupan un lugar principal.

La obra, entre la danza y las artes visuales más corporéas como la escultura o la arquitectura, trabaja sobre los planos, los niveles y las oposiciones en el espacio.

Es una coreografía espacial, una distribución de formas que se ubica y re ubica en la arquitectura del lugar, proponiendo una arquitectura de movimiento.

Utilizando unas colchonetas grandes blancas y negras, juega con las líneas y con las dimensiones. Ya desde el principio donde la directora de la propuesta, Yamila Uzorskis, mueve unos pequeños bloques rectangulares blancos y negros, cambiándolos de posición una y otra vez.

Los intérpretes son jóvenes y tienen todos un buen manejo de técnicas acrobáticas, y conocimientos en elementos aéreos como el trapecio, que parece ser usado aquí como una excusa para explorar otro plano del espacio.

Ellos van y vienen por la escena, experimentando niveles bajos,medios y altos, jugando con los planos horizontales en el suelo, y verticales en las paredes o en las colchonetas.

En sus movimientos hay un gran despliegue de energía y una entrega total a lo que están haciendo. Esto aporta un disfrute de la danza que es capaz de alcanzar al público que observa atento en las gradas.

Es una propuesta que explora un elemento tan esencial en la danza como el espacio, jugando desde las dinámicas del circo que tienen un espíritu más jocoso quizás que las de la danza contemporánea. (Aunque no tendría porqué ser así.)

Estos elementos del circo como la acrobacia o el trapecio han ido calando en las generaciones más jóvenes haciéndose un lugar importante en los ámbitos de la danza, donde ha sido incorporado en muchas propuestas.

La obra, casi una instalación danzada, concluye dejando una sensación aérea, fresca, espontánea como la alegría de los intérpretes que se balancean como niños felices en su hamaca.

Qué: Plano Móvil

Quién: Idea, coreografía y dirección: Yamila Uzorskis.- Intérpretes: Belén Coluccio, Victoria Godoy, Belara Michán, Gaston Parraga.- Iluminación: Leo D?Auito.- Música original: Juan Bernabé.- Entrenamiento corporal: Yésica Alonso, Gabriela Nuñez, Yamila Uzorskis.- Asistencia coreográfica y asistencia de dirección: Luciana Glanc.- Producción ejecutiva: Joel Inzunza Leal.- Producción general: Vera Czemerinski, Tatiana Sandoval.-

Dónde: CENTRO CULTURAL RICARDO ROJAS.- Av. Corrientes 2038.- Teléfonos: 4954-5521 / 4954-5523 / 4954-5524.- Web: www.rojas.uba.ar

Cuándo: Sábado - 20:00 hs - Hasta el 20/08/2011

COMO PEZ EN EL AGUA

2011-08-15T10:34:00.000-07:00

En una sala pequeña de esas que afloran en distintos rincones de la ciudad, se presenta esta propuesta cuya particularidad es ser explícitamente autobiográfica.

La obra no podría nombrarse definidamente ni como teatro ni como danza, sino como ambas. O mejor dicho, como plástica en movimiento, como autorreflexión danzada.

Teresa Duggan compone una serie de cuadros plásticamente bellos -característica de sus trabajos- donde expresa aspectos de su vida personal y creativa. Puede decirse que es una obra íntima, como un diario expuesto en forma de movimiento y palabras.

Está acompañada por dos intérpretes (un hombre y una mujer) que la asisten a la vez que forman parte de la expresión de ese mundo propio que ella pone en escena. Entre los tres, más proyecciones y objetos, construyen imágenes de su vida que son como fotografías animadas.

Así uno puede descubrir que la artista procede de una familia tradicional irlandesa, que pasó su infancia en el campo o que estuvo pupila en un colegio. También puede entreverse que entre sus referentes artísticos están el poeta español Federico García Lorca, la pintora mexicana Frida Khalo y el imaginario plástico de Oriente.

La tierra, lo autóctono, lo originario, están presentes en la obra. También forman parte de su mundo la soledad, el campo, la fantasía. Todo relacionado por Irlanda, Perú, Oriente, lugares que de alguna manera habitan en su expresión plástica.

Construye o reconstruye su historia y la plasma por ejemplo en el dibujo de un árbol contra la pared que extiende sus raíces por el suelo. Es su árbol genealógico, es su historia, es un ser que se planta y se expande a través de sus ramas y sus raíces. Es símbolo de la vida.

Otros cuadros que se disfrutan la vinculan a ella con sus influencias y procedencia. Se la puede ver con una tela boliviana/peruana y un gorro, llevando unas piedras. También con una máscara neutra cubierta con una tela blanca muy larga, una imagen que recuerda las artes escénicas japonesas (como el teatro tradicional noh y kabuki). Con esto mismo se relaciona el fondo oriental con una proyección mientras el intérprete masculino pinta sobre sus hombros un pez con un pincel y tinta negra, emulando las artes orientales de la caligrafía.

Siempre cuadros bellos que disparan imágenes en el público y que son también acompañados por la proyección animada cuya fantasía casi siempre absorbe al espectador.

Un relato autobiográfico desde la plástica en movimiento.

Qué: Como pez en el agua

Quién: Guión, coreografía y dirección: Teresa Duggan.- Intérpretes: Teresa Duggan, Maria Laura García, Giancarlo Scrocco.- Vestuario: Nam Tanoshii.-

Diseño de luces: Teresa Duggan.- Video: Guiye Fernández.- Música original y sonido:: Facundo López Burgos.- Fotografía: Catherine Fulop.- Diseño gráfico: Diego Heras.- Asistencia general: Claudia Valado.- Creatividad: Maria Laura García, Giancarlo Scrocco.- Prensa: Daniel Franco, Paula Simkin.-

Dónde: PATIO DE ACTORES.- Lerma 568.- Teléfonos: 4772-9732

Cuándo: Sábado - 18:30 hs

TETRALOGÍA

2011-08-03T08:11:00.000-07:00

El tango lleva años explorando nuevos caminos en la danza desde su lenguaje propio. Ya Milena Plebs y Miguel Ángel Zotto, cruzaron esas frases típicas del tango de salón con las variadas formas de la danza contemporánea.

Pero luego de las múltiples expresiones de la danza contemporánea, también llegaron el circo, la acrobacia, los malabares. Nuevas técnicas se colaban en los viejos modelos teatrales mezclándose con las coreografías, creando propuestas nuevas, frescas, arriesgadas.

Hoy que todo se fusiona y condimenta de posmoderno –término ya en desuso- se pueden seguir abriendo los ojos de sorpresa ante nuevas invenciones.

Tetralogía es una propuesta que genera asombro.

Los intérpretes ponen todo su cuerpo en cuatro escenas de danza que parecen quitarles hasta el último aliento. Despliegan su arte en complicados pasos cuyas destrezas son increíbles. Saltos, voladas, cruces, intercambios de piernas, todo meticulosamente montado, ajustado como un fino reloj. Movimientos precisos y arriesgados donde los cuerpos están completamente a tope. La exigencia de las coreografías es sostenida por estas parejas con gran manejo técnico (aunque a veces pareciera que llegan algo agitados).

La obra hace un recorrido personal del tango en cuatro cuadros donde uno difiere por su puesta escénica y su ritmo musical. Se trata de un valsecito que se repite en distintas versiones interpretadas por cada pareja. La escena es como un loop de un mismo tema cuyo ritmo permite un poco más de aire. Este momento cambia el color general que componen las otras tres escenas restantes. De todas ellas, hay una en particular que articula un mundo novedoso.

Es un acto en gris, que evoca otras dimensiones. Incluso parece sacado de los sueños, de la imaginación o de la locura. Las coreografías se suspenden en el tiempo, modulan de forma diferente el espacio, articulan los pasos en una atmósfera extraña. Allí se detiene el tango, se supera a sí mismo, se dibuja y desdibuja, explorando situaciones con objetos como una mesa o unas sillas. Se genera algo nuevo, mágico.

Completando la obra, la puesta en escena conjuga luces y crea climas que se funden con el vestuario de los intérpretes. Como resultado, unos cuadros de gran plasticidad, pero donde los bailarines realizan tal esfuerzo que a veces uno se pregunta si realmente pueden disfrutarlo.

Qué: Tetralogía

Quién: Coreografía y dirección: Leonardo Cuello.- Bailarines: Mara Craham, Lisandro Eberle, Sebastián Fernández, Andrea Kuna, Ollantay Rojas, Milagros Rolandelli, Ayelén Sánchez, Walter Suquia, Gustavo Vargas, María Laura Zaracho.- Escenografía y diseño de vestuario: Nora Churquina.- Diseño de luces: Alejandro Arteta.- Banda de sonido y diseño gráfico: Sebastián Verea.- Fotografía: Lupa.- Asistencia coreográfica: Lisandro Eberle, Milagros Rolandelli.-Prensa: Tehagolaprensa.- Management: Carina Coronel.-

Dónde: EL CUBO.- Zelaya 3053.- Teléfonos: 4963-2568. www.cuboabasto.com.ar

Cuándo: Miércoles y Jueves - 20:00 hs - Hasta el 15/09/2011

TANGO Y NADA MÁS!

2011-07-31T14:41:00.000-07:00

Tal como su nombre lo indica, se trata solo de tango ¿y para qué más?

La propuesta que se puede disfrutar en ese pequeño y bello teatro que es el Margarita Xirgu, muestra el tango como se baila en las milongas.

Un tango de salón llevado al escenario. Una expresión íntima, cercana, sin tanto revoleo ni acrobacias que son más propias de un tango espectacular que se ha expandido demasiado.

Pero la propuesta de esta compañía no apunta en esa dirección, y Roberto Zuccarino, su director, lo ha sabido plasmar bien.

En el escenario permanece siempre presente la orquesta, el Quinteto Tango + Tango, compuesto por un grupo de músicos que realizan sus propias versiones de tangos y milongas instrumentales o acompañadas por dos buenos cantantes.

Son apenas cinco parejas de baile las que salen a escena como si se tratara de la pista de una milonga de barrio. Por eso en el encuentro es más importante el contacto, el abrazo, el sentimiento. Los pasos son un diálogo entre la pareja de bailarines, con sus cortes, ochos y quebradas. Pero sin saltos espectaculares ni destrezas imposibles. En ellos está presente la comunicación, la expresión de los rostros, la complicidad del momento.

La orquesta aporta su musicalidad viva, apasionada. Esa sonoridad única del instrumento y las armonías que suenan en directo. A las que se suman dos cantantes llenos de vitalidad. Un hombre –Hernán Frizzera- que interpreta lo que canta y una mujer -Nayla Danchuk (apenas adolescente)-- que además tiene una voz prodigiosa. La interpretación de esta joven es vibrante. Despliega ese caudal potente lleno de cuerpo, de sangre. Una voz sensible y emotiva a la vez. Ambos aportan tal teatralidad a la lírica que son capaces de llevar al público a transitar por lo que cuentan, a recorrer la historia, a imaginar la aventura.

Los bailarines tienen la experiencia y profesionalidad (varias parejas son campeonas en tango de salón) para hacerle llegar al espectador el sentimiento íntimo del abrazo. Realmente una propuesta que permite compartir y disfrutar de un encuentro de tango, con todo lo que eso implica para la cultura porteña.

Qué: Tango y nada más

Quién: Idea, coreografía y dirección Roberto Zuccarino.- Bailarines: Sebastián Achával, Angélica Avalos, Samantha Dispari, Octavio Fernández, Corina Herrera, Daniel Nacucchio, Dante Sánchez, Cristina Sosa, Roxana Suárez, Roberto Zuccarino.- Cantantes: Nayla Danchuk, Hernán Frizzera.- Dirección musical: Tito Farías.- Prensa: Walter Duche, Alejandro Zarate.-

Dónde: COMPLEJO CULTURAL MARGARITA XIRGU.- Chacabuco 875.-4300-8817 / 4307-0066.- http://www.margaritaxirgu.com/

Cuándo: Viernes y Sábado - 20:00 hs - Hasta el 13/08/2011

CORRER JUNTO AL TIEMPO

2011-07-26T17:15:00.000-07:00

La compañía La Arena que dirige Gerardo Hochman hace uso de sus destrezas e ingenio para poner en escena una propuesta disparada por un aspecto de los ‘tiempos que corren’.

La ropa, el diseño, la moda, forman parte de los tiempos de hoy, donde lo visual tiene un lugar preponderante y la moda es tan reciclable como un papel de diario o una botella de plástico.

La propuesta capta e integra de alguna manera distintos conceptos en relación al lugar de la ropa hoy en día. Por un lado, frente a la fugacidad de los gustos impuestos por las vitrinas, por el otro, en la identificación con determinadas prendas. El juego está armado.

A través de juegos acrobáticos se despliega el uso de las prendas por parte de los intérpretes. La exploración que han llevado a cabo muestra desde el acto de coser o colgar la ropa, hasta el uso de perchas, percheros, broches, para crear escenas interesantes y atractivas condimentadas con humor.

La coreografía está conjugada de forma tal que se desarrollan actos de gran destreza junto a juegos increíbles con las ropas. Así, una medialuna puede servir para ponerse un pantalón y un mortal atrás para sacárselo.

Los jóvenes artistas de circo no dejan puntada sin hilo y las escenas quedan perfectamente hilvanadas atrapando la atención de los espectadores.

Tiempos que corren pone en escena un tema actual, mediante un uso original e ingenioso del circo danzado.

Qué: Tiempos que corren

Quién: Idea, guión y dirección: Gerardo Hochman.- Acróbatas / Malabaristas: Catalina Aguayo Lessa, Juan Arnaldi, Yamil Falvella, Celeste Flores, Evelina Forrellad, Camila Hernández, Camilo Iribarren, Lola Marcó, Florencia Michalewicz, Florencia Montaldo, Ignacio Ricci, ismael sandillu.- Diseño de luces: David Seldes.- Música original: Omar Giammarco, Sebastián Verea.-

Fotografía: Nicolas Kilidjián, Hernán Paulos.- Diseño gráfico: Pablo Kunst.- Asesoramiento: Carmen Kohan.- Asesoramiento coreográfico: Valeria Narvaez.- Asistencia de dirección: Hernán Paulos.- Producción ejecutiva: Gabriela Battiato.- Coreografía: Lucas Condró.- Dirección de arte: Laura Molina.- Dirección musical: Omar Giammarco.- Dirección teatral: Poli Broner.- www.circoarena.com.ar

Dónde: CIUDAD CULTURAL KONEX.- Sarmiento 3131.- Teléfonos: 4864-3200

www.ciudadculturalkonex.org

Cuándo: Domingo y Miércoles - 15:00 hs - Jueves, Viernes y Sábado - 16:30 hs Hasta el 30/07/2011

EL MUNDO DE LA EMOCIÓN SILENCIOSA

2011-06-16T05:59:00.000-07:00

Una pequeña sala de San Telmo llamada Mimoteatro ofrece para el público que guste del tiempo real, una propuesta que vive la improvisación desde el silencio.

Eso es un poco de lo que habla M.I.M.E. (mundo interno, mundo externo), un intercambio sensorial y físico en el reino de la mudez sonora –aunque suene redundante. Porque el silencio del actor está lleno de sonidos, de frases coloridas, de miradas brillantes. Y el público, que percibe eso, empieza sin quererlo casi, a colaborar con la orquesta de vibraciones que ese silencio especial genera.

La imagen es sonido y es movimiento. El intérprete de esta propuesta es un ser grandiosamente pequeño, un bichito extraño y familiar que circula por los intersticios de la palabra a la espera de poder cazar aquel sonido exterior que lo agite, que lo haga vivir. Desde ahí nace la escena.

A partir de los ruidos que brotan del público, el actor crea personajes articulando historias que improvisa en el momento. Una tos, un chasquido, una silla que se mueve, una risa espontánea, dan pie para que surja un mundo. De esta manera se transforma en niño, insecto, señora, dentista, asesino. Lo que sea.

El intérprete sensible permanece atento y capta por todos los sentidos lo que sucede del otro lado del escenario. Entre todos se construye una escena pública y privada a la vez. Íntima, cálida y jocosa. Es una propuesta viva.

Por eso, como toda improvisación en vivo, depende del día, del público, de la temperatura de la sala, del clima, del propio ánimo del intérprete, el cómo se desarrolle la función.

Y por eso también, cada función es una obra diferente.

En el mundo del silencio la emoción está latiendo.

Qué: MI.ME. Territorio: El Silencio

Quién: Explorador: Jorge Costa.- Guías en Flora y Fauna: Julia Muzio & Gaby Paez

Dónde: Mimoteatro, Defensa 611 – San Telmo.- Reservas 4342-9411

mundointernomundoexterno.blogspot.com / jorgemahatmacosta.blogspot.com

Cuándo: Viernes 21:30 hs.

HABLA CASSANDRA. UN CUERPO QUE ESCUCHA

2011-06-14T08:39:00.000-07:00

Una sola bailarina enfrenta el desafío de ponerle cuerpo a un mito. De apropiarse de él y hacerlo carnadura en su piel. Es Cassandra, aquella poseedora del don de la profecía sobre la que también pesaba la maldición de que nada de lo que dijera sería creído. La coreógrafa y bailarina Rhea Volij, desde el lenguaje que le brinda la danza butoh, es la intérprete de esta propuesta.

Su cuerpo habla desde un movimiento de escucha. Es un ser conectado con otro espacio. Un otro extraño y a la vez familiar. Es como un cachorro inocente que no oculta sus zonas oscuras, su lado de sombra.

Con la particularidad de un movimiento en el que lleva años explorando, la bailarina entrega sus formas. Entre la delicadeza y la deformidad evoca otros mundos posibles que surgen ante el espectador como relámpagos.

Así construye un ser lleno de matices, que por momentos parece asustadizo e infantil y otras veces muy antiguo y sabio.

Avanza con timidez por el espacio, descubriéndolo y brindándolo en su descubrir. Siempre en un estado de espera, de escucha constante, sin estallar ni quebrar esa atmósfera de búsqueda -su propio camino.

El cuerpo se desarticula en movimientos que se doblan, estiran o repliegan, que se asombran. Una fluidez donde la expresión abarca la totalidad, dándole al rostro una presencia notoria que se aleja de los paradigmas habituales de la danza contemporánea.

Rhea no baila en la escena, la habita, la vive con su danza. Trae con su presencia, el existir de algún otro mundo paralelo.

Qué: Habla Cassandra

Quién: Coreografía e interpretación: Rhea Volij.- Diseño sonoro: Eduardo Felenbok.- Iluminación: Eduardo Safigueroa.- Diseño de vestuario: Líbera Woszezenczuk.- Fotografía: Paula Zacharías.- Diseño gráfico: Erica Jacquemain.-

Asistencia de dirección: Alfrida Podlischevsky.- Producción: Laura Rey, Rhea Volij.- Prensa: María Sureda.-

Dónde: EL CAMARÍN DE LAS MUSAS.- Mario Bravo 960.- Teléfonos: 4862-0655

Cuándo: Domingo - 18:00 hs - Hasta el 31/07/2011

FELIZ, A SU MANERA.

2011-06-14T08:32:00.000-07:00

La compañía de danza teatro ProyectoDos que dirige Alejando Ibarra presenta Feliz. Como sapo de otro pozo, una propuesta totalmente narrada desde la danza y la teatralidad corporal (obviando los difusos límites entre danza y teatro).

La historia que se cuenta habla sobre el hecho de ser uno mismo. El protagonista es un personaje que parece no encajar en ninguna parte e intenta por todos los medios ser aceptado.

La obra está construida a través de un lenguaje de jazz contemporáneo, fresco y dinámico. Con sentido del humor y mucho ritmo, se suceden las coreografías que plasman junto a la música, distintos ámbitos. A partir de esa variedad de estilos construyen esos espacios diversos donde quiere integrarse el protagonista sin lograrlo.

Realmente buena en lo suyo, la compañía cuenta con un interesante nivel en todos los intérpretes que exhiben no sólo técnica en la danza sino también gran expresividad (sumamente necesaria para contar una historia sin texto).

El grupo trabaja con mucho despliegue de humor y una alegría que parece trascender la propuesta escénica hacia el disfrute por lo que hacen.

Y eso se transmite al público que se beneficia de una obra entretenida.

Qué: Feliz. Como sapo de otro pozo.

Quién: Autoría, dirección y coreografía: Alejandro Ibarra.- Interpretación: Santiago Almaráz, Ariel Juin, Luciana Larocca, Agustina Maria Leoni, Juan José Marco, Milagros Michael, Rodolfo Santamarina, Florencia Viterbo.- Prensa: Walter Duche, Alejandro Zarate.-

Dónde: EL CUBO.- Zelaya 3053.- Teléfonos: 4963-2568 www.cuboabasto.com.ar

Cuándo: Sábado - 17:00 hs

URRAKA! MÚSICA, OBJETOS Y MOVIMIENTO

2011-05-31T07:31:00.000-07:00

Una obra dinámica y fresca. Gotas de agua con soplidos de botellas. Música realizada con los objetos más inusuales. Tal vez no sea un recurso muy original si pensamos que existen grupos que ya lo hacen como Stomp o el más local Choque urbano. Pero su manera de utilizar el recurso y su puesta en escena es bien particular.

En el clásico espacio de un escenario teatral, ellos arman la escenografía construyendo calles de barrio con cajas cuadradas de cartón pintado (o eso parece en la distancia). La estructura de los cubos permite separar y unir en bloques esta escenografía, dejando así lugar a pasillos que aportan la dimensionalidad necesaria para que los personajes transiten por esas calles yendo y viniendo en su creación de la historia.

La iluminación aporta lo suyo pero es sobre todo la música, que con sencillez y dinamismo, es hilo conductor de las diferentes escenas que se arman. Allí acompañan los instrumentos inventados con botellas, tachos, chapitas, garrafas, etc., como un personaje más de la propuesta.

Parece que cualquier elemento ocurrente puede ser utilizado para sonar y componer temas. Así los intérpretes hacen sonar chacareras, milongas, rock, jazz y hasta música electrónica, con sus objetos reciclados.

Las escenas son breves y precisas, creando en un espacio limitado la sensación de distancia. Se desarrollan sin necesidad del texto, pues la expresividad y el movimiento del cuerpo son suficientes para transmitir una emoción o contar una historia por más escueta que sea. Llevan el ritmo justo.

El grupo es parejo y consigue hacer avanzar con humor su historia, además de moverse en un universo coreografiado con una estética personal y cuidada, que da cuenta del trabajo profesional de los intérpretes.

Por eso, es posible que la propuesta se expanda desde el escenario al público donde hace partícipe a toda la familia, que responde feliz con palmas y sonrisas.

Qué: Urraka! Música con objetos

Quién: Autoría: Hermes Gaido, Luciano Rosso.- Intérpretes: Emmanuel Calderón, Cristian de Castro, Hermes Gaido, Roberto Gonzalez, Mariela Herlein, Luz Macías, Luciano Rosso.- Vestuario: Luz Macías, Gerardo Porión.- Iluminación: Gabriel Rivero.- Maquillaje: Luz Macías, Gerardo Porión.- Realización de vestuario: Emmanuel Calderón, Hermes Gaido, Luz Macías, Luciano Rosso.- Fotografía: Echi Casares.- Arte: Lucas Stoessel.- Producción ejecutiva: Carolina Sánchez.- Coreografía: Cristian de Castro, Luciano Rosso.- Dirección: Hermes Gaido, Luciano Rosso.-

Dónde: TEATRO LA COMEDIA.- Rodríguez Peña 1062 Teléfonos: 4815-5665 / 4812-4228.-

Cuándo: Domingo y Sábado - 17:00 hs

LOS POLLERUDOS

2011-04-22T14:36:00.000-07:00

Los pollerudos es una propuesta teatral desde el ambiente del tango donde la inclusión de un par de coreografías colabora a acentuar su cariz tanguero. De esta manera, con distintos recursos artísticos siempre vinculados al mismo mundo, la obra introduce al público en un universo familiar de la idiosincrasia argentina.

Allí, encerrados en lo que parece un taller de costura, vemos a dos hombres. Ellos se debaten su existir apoyados en textos poéticos que está basados en clichés del tango más tradicional. Una tradición donde la mujer ocupa ese lugar mítico de madre/virgen/asexuada o amante/prostituta/sexuada. Estos hombres compiten y al mismo tiempo son compinches. Entre ellos, el imaginario de una mujer, una Marta tal vez, un ser femenino deseado que da motivo al inicio de disputas.

La relación se plantea entre estos dos hombres que bien pueden ser uno mismo. Ellos son Julián y Julián. Encerrados en un espacio que mezcla los recuerdos y se sostiene con una especie de secreto que solamente ellos conocen.

Julián y Julián. Competencia y complicidad. Amistad y tración.

La excusa del espacio propuesto -el taller de costura- juega también con las palabras (al igual que ese aspecto lúdico de la poesía). Así se pone en cuestión el tema del género en el aspecto sexual y del género en cuanto tela.

Dos hombres en un taller de costura, ámbito que bien puede atribuirse desde lo tradicional a la mujer.Aunque en el ambiente del tango la ‘pilcha’ es algo que el hombre tampoco descuida . Aquí dos hombres/mujer que no llegan a ‘entregarse’.

Un discurso, podría decirse entonces, tradicional desde el abordaje de fondo (el mundo que simbolizan los tangos) pero plagado de las palabras poéticas y el sentido del humor de dos solitarios guapos tangueros.

Qué: Los pollerudos

Quién: Autoría: Gerardo Baamonde, Sergio D'Angelo, Héctor Diaz.- Interpretación: Héctor Diaz y Gerardo Baamonde.- Coreografía: Héctor Diaz.- Iluminación, banda de sonido y dirección: Sergio D'Angelo.-

Dónde: EL PORTON DE SANCHEZ.- Sánchez de Bustamante 1034.-Teléfonos: 4863-2848.- Entrada: $ 40,00 y $ 30,00 -

Cuándo: Viernes - 23:00 hs

EQUILIBRIO EN LA SEMEJANZA

2011-04-20T12:36:00.000-07:00

En esta propuesta se combinan la sencillez, la sensibilidad y el equilibrio, que no sólo existen como parte de las técnicas desplegadas, sino que es una cualidad de la totalidad de la obra. También se pueden leer en la relación entre dos.

Son dos los intérpretes que se muestran y vinculan en escena. Solos y desde los elementos que cada uno maneja, que los diferencia así como los iguala. Son dos cuerpos colocados cada uno frente a un elemento vertical. Una cuerda y un palo chino. Se puede pensar en una línea dura y otra flexible, como dos caracteres de la línea. Así también dos seres con distintas cualidades que ya desde el género se diferencian: un hombre y una mujer.

El espacio donde se mueven está cuidado, la atmósfera creada se ve pensada tanto en la conjunción de movimientos como en el diseño de luces y banda sonora que aportan expresividad a la totalidad generando momentos de dramatismo.

Ambos personajes se presentan en solitario, vinculándose primero con su elemento, ubicados cada uno en un lugar determinado de la sala. Cada uno define su espacio y su característica.

Luego los dos se vinculan, primero tímidamente, después abiertamente, desarrollando un juego sutil entre ambos. Allí se expresan con el toque de humor necesario para quitar espesor a una propuesta que de lo contrario caería demasiado en lo sobrio y formal.

Por suerte, los intérpretes logran condimentar con chispas luminosas que acompañan un trabajo impecable.

La imagen que la retina captura asombrada es la de la fuerza física expresada con un movimiento sutil, nunca brusco, como una fuerza invisible. Es el movimiento del profesional.

Qué: Imagen y semejanza

Quién: Creadores e intérpretes: Luciana Mosca y Gonzalo Mora.- Coreografía: Luciana Mosca.- Dirección:Gonzalo Mora.- Música:Sebastian Verea.- Escenotecnia:Herr.Tec, hnos.Grigioni.- Vestuario:Tatiana Bosco, Mora.Mosca.-

Dónde: Espacio Circo del Aire –Chacabuco 629, San Telmo- Teléfono: 43629556

Cuándo: Sábados 21.30 hs y domingos 20.30 hs.- Localidades $ 30

ARDE SUAVE

2011-04-11T09:45:00.000-07:00

Arde es el resultado de una investigación en danza teatro que viene trabajando el Grupo Boya desde hace 3 años.

La propuesta parece girar en torno a los vínculos. En la escena se ve primero a un hombre que se relaciona con un espacio pequeño que le ofrece distintos apoyos para que él desarrolle su danza. Luego entra una mujer, dispuesta a entablar un diálogo de movimiento con él. Así se conforma una pareja que va a buscarse o evadirse mientras interactúa con el espacio de la habitación.

Al principio parece definirse el personaje masculino como un obsesivo y el femenino como histérico. En sus movimientos se establece un juego de persecución y huída, de seducción y escape, en el que diversos objetos que remiten a un mundo hogareño y cotidiano –una mesa, platos, sillas, una televisión- participan de esta especie de lucha amorosa que se da en la pareja.

La puesta en escena muestra imágenes poéticas logradas con la iluminación que componen lindas fotos. También hay elementos interesantes en las distintas fuentes de iluminación y los contrastes de sombras que producen. Pero resulta algo floja la dramaturgia.

La obra divaga sin definirse como si contara con buenas ideas que no hubieran tenido un laburo profundo. Esto se manifiesta desde los mismos cuerpos, sus movimientos y sus pasiones. Los intérpretes parecen titubear en el arrojo necesario para que la escena se cargue de la intensidad que el contexto requiere. No terminan de lanzarse, no se juegan. Entonces la obra queda tibia.

La desnudez parece ser usada como un recurso de provocación que no dice nada. El abordaje de la sexualidad se queda en ilustraciones pseudo pudorosas.

Lo absurdo en donde se introducen –que parece una salida divertida para liberar de la incomodidad de la exhibición- termina como algo sin mucho sentido, sin razón, hasta incomprensible.

Para arder con buena llama hay que poner el cuerpo entero en el fuego.

Qué: Arde

Quién: Autoría: Candela Cribioli.- Intérpretes: Candela Cribioli, Hugo Falcón, Clara Hecker.- Vestuario: Clara Hecker.- Escenografía: Clara Hecker.- Iluminación: Clara Hecker

Dónde: ENTRETELONES - ESPACIO TEATRAL.- Enrique Martínez 1427 Reservas: 4554-0087.- Entrada: $ 35,00 y $ 30,00 –

Cuándo: Viernes - 22:00 hs - Hasta el 06/05/2011

ADÓNDE VAN LOS MUERTOS. EL LADO B DE LA VIDA

2011-03-15T06:18:00.000-07:00

La bienvenida al suceso que está por comenzar en la sala la da un personaje del público que escucha un texto a través de unos auriculares y se limita a repetir lo que oye. Un saludo que lo coloca a la vez como público y como portavoz de aquello a lo que los integrantes del grupo no encontraron palabras.

La obra se plantea una pregunta sobre la muerte y lo manifiesta, en principio, mediante entrevistas a distintas personas proyectadas en una pantalla. Las imágenes aparecen y desaparecen fundidas sobre el blanco de fondo como si se tratara de una luz que obnubilara y cubriera todo, (¿la luz al final del túnel?). Allí se pueden oír diversas especulaciones sobre la existencia de algo más allá de la muerte así como preguntas acerca de adónde va lo que es uno cuando uno ya no está, o planteos sobre la muerte como algo distinto de una imagen, no material.

Entre cuestiones prácticas del hecho en sí, se oye decir que la vista es el primer sentido que se pierde al morir y la voz es lo primero que se olvida de un muerto.

Hasta este momento de la propuesta el espectador ha podido inmiscuirse en el tema e incluso ahondar en sus propios interrogantes al respecto. Puede producir angustia, risa, empatía, incomodidad. Depende del ser en cuestión y su percepción del mundo.

Luego se pone en movimiento la escena a través de diferentes intervenciones de los intérpretes que recorren la danza, el teatro, la música, el video y el juego deportivo. Hay un ‘combate’ de sonidos guturales, un hombre que parece extraterrestre o robot, una danza juguetona, un picadito de fútbol. Al terminar cada una de estas partes -algunas nombradas como Dueto A o Dueto B, por ejemplo- los intérpretes que han permanecido sentados realizan una especie de reflexión sobre el hacer que se repite varias veces al finalizar la escena anterior. Allí surgen preguntas como ¿cuánto tiempo le tomó, cualquiera puede hacerlo, se identificó con lo visto? etc. Al plantearlo ellos mismos, se le da una vuelta a lo que podría pensar el público en relación con aquello que ve y que es realizado sin aparentemente ninguna técnica o saber específico, y a su vez se manifiesta implícitamente el cuestionamiento sobre el lugar del artista o las especificidades del arte.

Entre todas las escenas (cuyo vínculo con la pregunta de la obra quedan a la imaginación de cada cual) hay una donde los hombres se agarran uno a otro y hacen fila esperando su turno para agarrar al que está parado al frente mientras detrás un cronómetro muestra el tiempo que corre (¿metáfora?) para concluir con la imagen de uno de ellos con una luz roja en el corazón que titila y luego se apaga.

Entonces se retorna a la muerte mediante una proyección de textos en la pantalla con lo que piensa cada uno de ellos de cómo va a morir. Pero no se queda en este dramatismo sobre la existencia, sino que nuevamente se incorporan escenas de danza, deporte, música en vivo, hasta que la heroína se aleja montada en un mágico caballo hacia el confín del mundo.

Entre estos variados momentos se arma el todo. Una manera de construir de muchas de las obras de esta era postmoderna y neo barroca. A través de la unión de fragmentos cuya ligazón está dada a veces por un tema, a veces porque sí, a veces por ideas buenas que parecen quedar inconexas. El público recibe fragmentos, es salpicado por ocurrencias o pensamientos, quizás donde se asoma una punta de algo prometedor si se ahondara un poco más. Pero finalmente pareciera que hay que aceptar esta construcción de mundos poéticos donde la poesía anida en la imaginación de uno imposibilitada quizás de ser compartida grupalmente con el otro.

Qué: Adónde van los muertos (lado B)

Quién: Autoría e interpretación: Luciana Acuña, Gabriel Almendros, Luis Biasotto, Edgardo Castro, Fernando Tur.- Músicos: Gabriel Almendros, Fernando Tur.- Escenografía: Mariana Tirantte.-Iluminación: Agustín Mendilaharzu, Matías Sendón.- Video: Alejo Moguillansky.- Música original: Gabriel Almendros, Fernando Tur.- Cámara: Agustín Mendilaharzu.- Sonido: Rodrigo Sánchez Mariño.- Asistencia de escenografía: Gonzalo Cordoba Estevez.- Asistencia general: Santiago Esteves.- Coreografía y dirección: Luciana Acuña, Luis Biasotto.-

Cuándo: miércoles 16, 23, 30 de marzo y 6 de abril,

Dónde: Espacio Callejón.- Humahuaca 3759. Reservas al 4862-1167

LA MASA EN MOVIMIENTO

2011-02-28T08:36:00.000-08:00

M ó cualidades y variantes de la masa es una propuesta que puede remitir a grupos como Stomp o Mayumana. Grupos cuyo estilo de hacer ritmo con el cuerpo y otros elementos de la cotidianeidad produjeron, en las últimas dos décadas, interesantes juegos dentro de la experimentación entre la música, los objetos y el cuerpo.

Como un coro de ritmo corporal o una orquesta física, la compañía crea buenos momentos. Entre las intervenciones solistas y grupales, hay complejidad en los pasos y ritmos, incluso arreglos musicales que desde lo físico generan una coreografía y desde lo sonoro una integración orquestal.

El trabajo se ve sólido y requiere disciplina por parte del grupo de intérpretes que se desempeña como llevado por un metrónomo.

Lo que resalta es que la coreografía está en función de lo musical, queda armada y compuesta por las intervenciones rítmicas. Es una danza más de ritmo que de movimiento, pese a haber movimientos en la ejecución de los ritmos debido a que el mismo cuerpo es su instrumento sonoro.

Cada imaginación volará de acuerdo a su fantasía pero no parece producirse acontecimiento poético. Es cierto que el espectador puede quedar enganchado con el juego rítmico, con las figuras corporales que se forman para producir un determinado ritmo, con las repeticiones o ‘in crescendo’ físico-sonoras. Pero la creación de la obra queda aquí, en esta complejidad musical y curiosa. De difícil ejecución y realizado a la perfección, eso sí. Aunque el ritmo también podría ser la excusa para la construcción de algo que lo excediera.

Aquí se expresa una masa intensa, musical, que cruza el cuerpo danzante y el vibrante -en definitiva un mismo cuerpo que crea, que produce, que vive.

Finalmente una suma de seres que laten buscando un compás en común.

Qué: M ó cualidades y variantes de la masa

Quién: Idea y coreografía: Edgardo Mercado.- Interpretes: Compañía de Danza del Departamento de Artes del Movimiento del Instituto Universitario Nacional del Arte (I.U.N.A.): Bárbara Alonso, Ezequiel Barrios, Gastón Martín Barroso, Andrea Constanza, Carla Victoria Di Grazia, Esteban Hernán Esquivel, María Luisa Ginevro, Julia Gómez, María Sol Gorosterrazu Vera, Yamila Guillermo, Marcela Natalia Jiménez, Franco Luis La Pietra, Nahuel Leopoldo Ledesma, Carlos Ariel Missirian, Carla Ester Rímola, Ignacio Sareceni, Alejo Hugo Enrique Wilkinson Hassler.- Vestuario: Federico Laboreau.- Diseño de luces: Paola Costamagna.- Asistencia coreográfica: Leticia Abelle.- Asistente de producción: Federico Moreno, Ángel Ariel Porro.- Dirección musical: Gaston Taylor.- Dirección: Roxana Grinstein, Edgardo Mercado

DALE QUE VA

2010-12-30T11:36:00.000-08:00

La propuesta ocupa una parte de ese espacio conocido como Impa, la fábrica recuperada que va ganando cada vez más lugar en una ciudad donde recuperar lugares se está convirtiendo en parte de la propia idiosincrasia (por suerte).

Tres hombres: un músico integrado como performer y dos bailarines, son los que dan cuerpo y espíritu a Va.

En uno de los pisos de la fábrica a la que el público accede prácticamente a oscuras, se produce el intercambio entre actor y espectador. Este es ubicado en un extremo de la sala donde se pondrá en juego el movimiento. Los intérpretes se introducen en penumbras y van ganando terreno junto a la iluminación que los acompaña y colabora para perfilar a esas formas que se mueven en la escena.

Dos hombres en estado animal se presentan, desarrollan una especie de evolución de insecto, saliendo de sus crisálidas y tomando nuevas formas. Entre ellos se produce un encuentro que es lúdico unas veces y competitivo otras. Bailan juntos o combaten. Parece hasta nacer una histeria femenina en el juego, donde van y vienen, se persiguen, se abrazan, se pegan, se corren.

Es una danza de hombres. Es una relación entre hombres. ¿Cómo es el amor entre hombres? ¿Cómo podría expresarse en toda su complejidad masculina sin definirse ni catalogarse? ¿Cómo se baila esa expresión?

Ellos vuelcan toda su energía en la danza, en el intercambio. Entre la música y los bailarines, entre los interprétes que danzan. La música llena la austeriad espacial con su bella creación, al igual que las luces, ideadas con sensatez y astucia.

El espacio es abarcado en toda su extensión, dejando un poco descuidado al espectador que por su ubicación se pierde parte de la propuesta, siendo obstruida su visión por algunas columnas de la sala.

Los bailarines despliegan un nivel de compromiso profesional que solamente en una parte se ve un poco abandonado. Sucede con la inserción de un momento delirante que parece un desfile donde los intérpretes compiten hasta llegar al contacto físico agresivo (aunque parodiado) y que, si bien le da un aire bizarro a la propuesta, se ve algo desaliñado en relación a lo que vienen construyendo.

Por lo demás, es para disfrutarla y compartirla.

Qué: Va

Quién: Intérpretes: Ramiro Bailiarini, Emiliano Formia.-Músicos: Daniel Figueroa.- Vestuario: Johanna Braña.- Diseño de luces: Mariano Arrigoni.-

Diseño sonoro: Daniel Figueroa.- Fotografía: Ailin Formia.- Asistencia de dirección: Mariana La Torre.- Coreografía: Ramiro Bailiarini, Mariana Carli, Emiliano Formia.- Dirección: Mariana Carli

www.va-nov2008.blogspot.com

VOLANDO CON FRIDA KAHLO

2010-12-30T10:51:00.000-08:00

Esta propuesta de danza parte de un proyecto de la compañía Nandayure CIA de Danza a partir de un proceso de investigación sobre la vida y obra de la artista mexicana Frida Kahlo. Según la gacetilla del grupo, la idea es “generar un espacio de información y arte, interrelacionando la proyección de un documental informativo, la exposición de trabajos realizados por diferentes artistas plásticos, fotógrafos y escritores”, con el fin de darle al publico pistas de cómo se construye esta mujer, artista, mito.

La obra pone en escena a una intérprete -la bailarina y maestra Liliana Cepeda- que le da cuerpo a Frida a través de intervenciones performáticas y deslizamientos entre los bailarines. Ella es la protagonista y ellos son como una expresión de su vida y su dolor materializados en la composición coreográfica.

Puesta en movimiento por un grupo de doce bailarines que despliegan sus habilidades técnicas en frescas composiciones, la propuesta habla del lugar del dolor que habitó a la artista y se proyectó en su obra. Pero no se trata de ahondar en el dolor para quedarse allí, sino de tomar impulso desde el sufrimiento para continuar construyendo y creando.

Las coreografías hacen bailar al ojo que va siguiendo los movimientos suaves de las composiciones, intercaladas con las apariciones de la figura de Frida, que hila las escenas como el hilo que teje el dibujo en un telar. Así esta compañía hace disfrutar de la construcción de una obra que rescata la trayectoria de una artista mexicana. También sumerge al espectador en la atmósfera folklórica de México a través de las músicas, que con su mezcla de nostalgia, alegría y resignación, transmiten el aire que ese país latinoamericano proyecta desde sí. Una poesía idiosincrática llena de historias.

Qué: Pies pa' Volar

http://www.piespavolar.blogspot.com/`
Dónde: EL CUBO.- Zelaya 3053.- 4963-2568

Cuándo: Sábado - 21:00 hs.-

ANIQUILAR A LA NIÑA

2010-11-14T08:27:00.000-08:00

La propuesta es una potente expresión que emana de un dúo. Simplemente dos personas, un hombre y una mujer que juntos producen al tercero: la obra. La música, la danza y el espacio con sus líneas de luces y sombras, conjugan geometría y abstracción. El espacio figura como una construcción geométrica en la galaxia del personaje. Toda la puesta en escena está muy cuidada.

El desarrollo de la propuesta cuenta con dos partes diferenciadas desde la luz y el vestuario. Al principio hay colores primarios en una especie de complementación pop-futurista. Ella, él, rojo, azul primero, después blanco y negro. Opuestos complementarios.

Ellos funcionan muy bien juntos, se amalgaman en música y movimiento. El ‘in crescendo’ que se produce está unido.

Aparece ligado de tal forma que no se nota quién da el pie. Se van acompañando en un diálogo sonoro y visual que invita a participar con los sentidos. Desde la iluminación, la escenografía, la coreografía, la música y el video. Todo confluye con un ritmo que impulsa a ser parte de.

En ese sentido, la obra es una invitación, un convite, que lleva al espectador a estar bien presente.

Florencia proyecta líneas desde su cuerpo hacia el espacio donde se funden y rebotan como los golpes de la batería. Gómez es un performer cuyo lugar en el espacio late y se mueve como la intérprete. Movimiento y sonido producen ecos, reverberaciones que crecen y estallan.

Los textos condimentan con su poesía a la propuesta.

Esta improvisación pautada es un trabajo con el vivo y el momento presente que la pareja viene desarrollando hace años desde Formato Living, donde un bailarín y un músico son convocados para desarrollar un diálogo en escena a partir de la improvisación.

Aniquilar a la niña es una propuesta personal cuyo carácter le da una impronta fuerte que sobresale dentro del circuito de danza contemporánea de Buenos Aires.

Dan ganas de bailar, de tocar, de ver. Dan ganas de correr.

Qué: Aniquilar a la niña

Quién: Idea, dirección, texto e interpretación: Florencia Gleizer.- Músicos:Rodrigo Gómez.- Vestuario: Marcelo Ortega.-Escenografía: Mariana Tirantte.- Iluminación: Matías Sendón.- Video: Nicolás Richat.- Asistencia técnica: Esmeralda Acosta.- Asistencia de dirección: Lucía Fernández Mouján.-
Prensa: María Sureda.-

Web: http://www.aniquilaran1.blogspot.com/

SULKY, DE PASEO POR LAS ALTURAS

2010-10-13T09:03:00.000-07:00

Un hermoso espacio se presta para que esta obra despliegue su imaginación y transforme el lugar en montes y quebradas.

Utilizando las posibilidades de la sala, Sulky despliega cuadros bellos donde un grupo humano hace viajar al espectador. Cruzando los imaginarios norteños de La Puna y de la danza butoh japonesa, la propuesta genera atmósferas que los vinculan a través de distintos elementos que pone en escena.

Los intérpretes, vestidos de blanco, van y vienen, traen y llevan, se desplazan con hojas, telas, piedras. Entre ellos reproducen una especie de rito sagrado que los une y hermana. Hay un fluir místico con aires de naturaleza, que va entrelazando los cuadros que se arman y desarman como remolinos de arena en el desierto del tiempo.

Sulky compone un cuadro de imágenes simples, aireadas y alegres. Con algunos escasos momentos de danza, parece ser en realidad el espíritu de las danzas el que sobrevuela el ambiente, sin que termine de materializarse en ninguna coreografía. Pese a existir un movimiento en el espacio, es más bien el vaivén de los cuerpos enlazando situaciones pequeñas el que construye la obra.

Tomando una línea imaginaria que une los pueblos del altiplano y el oriente, crea un oriente altiplánico, propio y singular, donde la atmósfera ejerce otra presión en el hombre. Lo sagrado y lo humano confluyen como algo indisolublemente ancestral.

Las raíces de la tierra, la energía de las rocas, las escrituras del tiempo, la espiritualidad de un momento. Todo se hace presente en este bonito paseo por las alturas.

Qué: Sulky

Quién: Idea y Dirección: Teresa Duggan.- Intérpretes: Teresa Duggan, María Laura García, Magda Ingrey, Daniela Velázquez, Ailin Rey, Jorgelina Mellia, Josefina Pérez, Gabriela Romero y Giancarlo Scrocco.-Músicos: Marcela Consalvo, Facundo López Burgos, Guadalupe Soria.- Vestuario: Nam Tanoshii.- Escultura: Jose Santos.- Objetos: Nam Tanoshii.- Diseño de luces: Teresa Duggan.- Video: Guiye Fernández.- Banda de sonido: Uña Ramos, Leda Valladares.- Fotografía: Nicolás Colledani, Claudia Valado.- Asistencia general: Claudia Valado.- Asistencia técnica: Guadalupe Azzati

Dónde: Teatro Mediterránea – Tucumán 3378 – Te: 4863-7156.- Localidades $30.-

Cuándo: Domingo - 20:00 hs - Hasta el 31/10/2010

UN DESLIZAMIENTO ENTRE LAS SOMBRAS

2010-08-09T11:50:00.000-07:00

Sobre el fondo oscuro de la escena se recorta una figura iluminada. Son cuerpos, no hombres o mujeres, sino seres. Un grupo de seres unidos como una sola forma, un solo cuerpo. Esta imagen respira, late y avanza suavemente por el espacio de la sala. Uno de ellos parece sobresaltarse modificando la postura corporal, todos los demás se modifican y adaptan. Una energía parece fluir entre todos que se sacuden despacio e intermitentemente, se mueven, se adaptan, no pierden el contacto.

La Compañía Hymenóptera expresa así su apropiación de la danza Butoh, una danza contemporánea que ha sido tomada prestada del Japón, surgida allí en la pos guerra de la fatídica 2º guerra mundial. Una danza llena de horror humano. Una pos danza de la guerra que mostró la cara más inhumana del hombre antes de la globalización.

Aquí, de este lado del planeta, los cuerpos buscan su forma de moverse entre las huellas de lo que los compone. Son insectos, son hojas, son partículas de luz. Son huellas de personas que han caminado desde el principio del hombre y retornan sobre sí mismas para volver a hacerse.

Estos cuerpos se mueven en un juego que desenreda lo monstruoso como algo que forma parte de uno. Tal vez aquello desconocido, tal vez lo imposible Real que subyace en la psiquis y convive con esa realidad construida de lo cotidiano.

La puesta en escena de obras como esta es una apuesta a otro modo de moverse, o a moverse desde otro lugar. Muestra las posibilidades de una expresión vinculada con emociones en contacto con el presente desde un lugar poético, profundo, con un movimiento no habitual.
Aunque el trabajo de las intérpretes se ve todavía un poco crudo, se puede vislumbrar en la búsqueda un horizonte interesante.
Su directora, Rhea Volij, tiene una trayectoria nada desdeñable que debe ser tenida en cuenta en la amplitud de miradas dentro de la danza contemporánea argentina.

Qué: Breve deslizamiento

Quién: Bailarines: Laura Corral Fierro, Camila Di Mia, Ana Di Toro, Lisa Grass, Marianela Guereñú, Anastasia Peralta, María Florencia Pereyra Delorenzi, Amalia van Aken.- Vestuario: Líbera Woszezenczuk.- Diseño de luces: Eduardo Safigueroa.- Diseño sonoro: Eduardo Felenbok.- Musicalización: Rhea Volij.- Operación de sonido: Pablo Cutufia.- Asistencia de dirección: Paula Zacharías.- Dirección: Rhea Volij

Dónde: El Crisol.-Arismendi 2658 Capital Federal – Teléfonos: 4523-7605

Cuándo: Viernes - 22:00 hs – Del 10/09/2010 al 24/09/2010

UN FESTIVAL PARA MOVERSE EN EL INVIERNO

2010-07-31T13:52:00.000-07:00

Durante el próximo mes de agosto se realizará en los distintos espacios del Teatro Beckett, el II Festival de Invierno Buenos Aires Endanza. El mismo tendrá lugar todos los jueves del mes a partir del 5 de agosto y contará con la participación de obras, charlas, talleres, proyecciones de videodanza y una exposición de fotografías dedicadas al mundo dancístico.

El festival, que tuvo gran éxito el año pasado y fue declarado de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación, está organizado y dirigido por la bailarina, maestra y coreógrafa Liliana Cepeda. Según ella misma expresa “la intención es generar un lugar de encuentro para los creadores, de intercambio y difusión”.

Gestionado sin apoyo institucional ni económico, como muchos de los emprendimientos culturales impulsados por sus mismos artistas, este Festival comenzó en el mes de Agosto de 2009. “El fin era instalar un festival que pudiera repetirse cada año” comenta Cepeda y añade “me gustaba la idea de asociarlo con un momento especial del año, como es el invierno, cuando en mi imaginario es grato ir al teatro, al cine o reunirse con amigos”.

La selección corre a cargo de la coreógrafa. "Lo diseñé yo sola y armé la convocatoria teniendo en cuenta este diseño.Aparte cuento con una encargada de prensa, Karina Nisinman, que el año pasado se hizo cargo de parte de la producción (sin la cual muchas cosas habrían sido muy difíciles) y en la gráfica está Mariano Losi." Cepeda asegura que deja en manos de estos excelentes profesionales una parte importantísima de la organización del festival.

“El Festival se desarrolla en solo cuatro días, razón por la cual no es posible incluir a todas las compañías que se presentan a la convocatoria” afirma la coreógrafa. Por eso es que busca cierta variedad en la selección. “Trato de que haya propuestas creativas diferentes entre si, para que el público pueda disfrutar de una variedad interesante de obras”, agrega.

Este año serán once las compañías de diferentes corrientes de la danza contemporánea que participarán en el Festival. Algunas de ellas son la Cía. Surdance Ensemble, de Jorge Amarante y la Cía. Cualquiera Cosa -conformada por bailarines con capacidades diferentes- de María Belén Gómez Ortiz y Paz Fernández Alonso. Además se encuentran programados varios talleres de danza, entre ellos uno de danza Afro contemporánea, uno de Creación a partir de elementos no convencionales y uno de Terapia escénica.

Como la propuesta de danza de este Festival abarca otros ámbitos donde se expresa el movimiento, se realizarán proyecciones del Festival internacional de video danza y de films de danza contemporánea alemana, cedidos por la gentileza del Instituto Goethe de Buenos Aires. Habrá también una charla donde Marcelo Katz hablará sobre discurso musical y creación coreográfica, y en el hall del teatro se presentará una exposición de fotografías de danza de Antonio Fresco.

Las funciones tendrán lugar cada jueves a las 21hs.

Fecha por fecha los coreógrafos que participarán son:

Jueves 5 de agosto: Andrea Saltiel Virginia Ravenna y Jazmin Llovet.

Jueves 12 de agosto: Verónica Peluffo, Johanna Cessiecq y Paz Fernandez Alonso, que dirige una compañía con bailarines con síndrome de Down.

Jueves 19 de agosto: Fabiana Maler, Ayelen Graneros y Fabiana Aguilar que dirige una compañía de San Nicolás.

Jueves 26 de agosto: Jorge Amarante, Andrea Saltiel y Liliana Cepeda.

Para mayor información:

buenosairesendanza@gmail.com

TRÁTAME CON CARIÑO

2010-07-14T09:55:00.000-07:00

¿Qué es el cariño?

La palabra deriva del latín carēre, carecer. El diccionario dice: “Inclinación de amor o buen afecto que se siente hacia alguien o algo”, y agrega también “añoranza, nostalgia”. El cariño es entonces un sentimiento de inclinación que tiene que ver con el amor y la nostalgia, con la falta, la ausencia (¿añoranza de amor?). En la difusión de la obra hay una cita en relación: “Si recibo un regalo hecho con cariño por una persona que no quiero… ¿Cómo se llama lo que siento?” Clarice Lispector

La propuesta pone en escena tres cuerpos. Dos masculinos y uno femenino. Ellos son como dos niños, dos cachorros inmaduros. Ella es una especie de devoradora. Ubicados en un espacio que evoca el campo al principio y luego se va desvaneciendo hacia cualquier lugar, los tres juegan a un juego que solo ellos conocen.

Al comienzo un texto. La madre niña empieza a vivir y descubre la muerte en el amor (o algo así) cuando el animal querido es engullido como alimento. Por lo que puede entenderse el extremo de devorar literalmente, como un impulso caníbal, aquello que se ama.

Las escenas se suceden desde ese punto de partida entre danza, música y canciones entonadas con gusto por los tres intérpretes. Ella hace uso de los cuerpos de los otros y luego se recuesta, como quien ha comido suficiente, a observarlos o reposar. Ellos bailan, se disputan, se dejan usar, galantean en todos los idiomas o apenas se sostienen en su fragilidad de zapatillas de punta.

La obra es una combinación de distintos ingredientes dentro de las artes. Hay danza, teatro, música, canto. Se crean atmósferas. No hay un hilo narrativo, no hay una historia lineal. (Tampoco tiene por qué haberlos). Tal vez sólo sensaciones que intentan configurar las relaciones que la directora o los intérpretes establecieron con la idea del cariño.

Es una puesta con diversos momentos que parecieran no llegar a formar un todo, aunque su todo, en definitiva, sea la obra misma.

Tal vez porque “el mundo está lejos o se extravió”, como expresa la gacetilla. Tal vez porque esa lejanía, eso que está perdido, ha producido la ruptura de los lazos que antes permitían el entendimiento, la comprensión y hasta el amor. Por eso es cariño, simplemente cariño. Una inclinación de buen afecto, pero apenas inclinación. Un sentimiento cercano a la indiferencia, un sentimiento de la ausencia, del carecer. Un balde frío en el amor.

Qué: Cariño

Quién: Idea y dirección: Mayra Bonard.- Intérpretes: Victoria Carambat, Federico Fernández Wagner, Ignacio Monna.- Vestuario: Cecilia Alassia.- Escenografía: Luciano Stechina.- Diseño de luces: Gonzalo Córdova.- Música: Diego Frenkel.- Fotografía: Robert Bonomo.- Asistencia de dirección: Wendy Rosker.- Colaboración artística: Ezequiel Matzkin.- Dirección vocal: Diego Frenkel.-

Dónde: CENTRO CULTURAL RICARDO ROJAS Av. Corrientes 2038.- 4954-5521 / 4954-5523 / 4954-5524.- Entrada: $ 20,00

Cuándo: - Sábado - 22:00 hs - Hasta el 28/08/2010

CRIOLLO

2010-06-12T12:36:00.000-07:00

Según un conocido y virtual diccionario, criollo -que deriva de la palabra "criar"- es un término que históricamente fue utilizado en el pasado colonial bajo la metrópolis española para designar al habitante nacido en América que descendía de padres españoles. Dicho medio expone por otro lado, que el Criollismo fue un movimiento de estos hijos de españoles nacidos en América que buscaban una identidad propia a través del pasado indígena, de símbolos propios y de la exaltación de todo lo relacionado con lo americano.

La obra de danza que dirige Gerardo Litvak pone en escena a cuatro hombres que interpretan dando su propia identidad del espíritu de lo criollo . Pero ¿cuál es dicho espíritu?Se puede pensar en lo popular, lo perteneciente al lugar, lo propio, reflejado aquí en las danzas con características folklóricas.

En una distribución coreográfica mayormente circular, los hombres bailan juntos exponiendo cada uno sus cualidades, su energía, su forma particular, como muestrario de sus competencias individuales. Bailan solos, en dúos, en conjunto. Dibujan diagonales, círculos, líneas, caminos. Se amontonan o dispersan, zapatean o bambolean. A través de este despliegue conforman los matices de un todo nacional personal.

Este bailar entre hombres donde el grupo mantiene distancias en el contacto físico, se enfrenta o comparte como en un ritual festivo, se desliza desde las músicas de raíces folklóricas tradicionales hasta lo que puede considerarse actualmente popular como el cuarteto, la cumbia o el ‘reggaeton’, atravesados también ambos ‘folklores’ (el tradicional y el actual, por decir de alguna manera) por la música electrónica.

Con el festejo del bicentenario como marco, la idea de la Patria, su idiosincrasia y sus bailes, se hacen presentes en esta obra que rescata los aspectos masculinos del sentimiento patrio a través del movimiento corporal.

Los hombres bailan hasta el cansancio demostrando además su buena memoria. Las coreografías se suceden sin pausas, sin respiros, y en ese continúo danzar pueden resultar repetitivas.

Pero tal vez justamente se trate de eso. De no detenerse, no parar el despliegue constante de movimiento, como en los estados de trance. Y también resistir, aguantar, soportar, sostener, mostrando así la potencia del hombre en su lugar de sostén.

En una interminable danza, los cuatro hombres bailan evocando el campo o la discoteca, enlazando tradición y actualidad en una búsqueda personal de innovación.

Criollo propone esta reflexión inserta en los cuerpos mediante la vinculación de esas formas diversas del sentido de lo popular en una realidad de patriotismo posmoderno. Buscando -como ellos mismos expresan- la invención de una danza autónoma que reinvente la pregunta por el baile patrio.
Y por qué es lo propio.

Qué: Criollo

Quién: Bailarines: Mauro Sebastián Cacciatore, Victor Campillay, Esteban Hezkibel, Luis Monroy.- Vestuario: Analia Manouelian.-Iluminación: Alejandro Le Roux.- Música: Pablo Bronzini.-Asistencia coreográfica: Victor Campillay, Luis Monroy.- Asistencia de dirección: María Victoria Molins.- Coreografía y dirección: Gerardo Litvak

Dónde: EL PORTON DE SANCHEZ Sánchez de Bustamante 1034 Teléfonos: 4863-2848

Cuándo: Viernes - 23:00 hs - Hasta el 25/06/2010

UNA DANZA ONOMATOPÉYICA.

2010-06-08T09:45:00.000-07:00

El pasado jueves 27 de mayo se pudo ver en la sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación (CCC) una propuesta presentada por dos artistas brasileros, en el marco de las IV Jornadas de Investigación del IUNA en Nuevas Dramaturgias y Estéticas del Movimiento (donde se presentarán en el transcurso del año varios espectáculos internacionales).

La puesta era el resultado de un proceso creativo realizado por los dos intérpretes que investigaron a nivel corporal distintos lenguajes para poner en escena un mundo de comunicación diversa. Entre las formas de expresión utilizadas había danza contemporánea, teatro-físico, clown y pantomima. Esta conjunción de elementos de interpretación estaba sostenida por un hilo sonoro construido sobre la percusión vocal.

Todos sus comportamientos, sus movimientos espaciales, sus ritmos y miradas (dirigidas al público en una búsqueda de complicidad que no llegaba a ser totalmente definida como extra diegética) tenían como soporte la música que ellos mismos hacían. Los cuerpos de los intérpretes se comunicaban con humor en un intercambio físico que parecía acompañar las onomatopeyas que usaban para dialogar, como los gestos sobre los que se apoyan las palabras en una conversación.

Según la gacetilla, aspectos de la vida de los artistas fueron incorporados en la propuesta. Cuestión ésta difícil de desentrañar hoy día donde los movimientos cotidianos son incorporados en las puestas y lo que se ve en escena pasa a formar parte del mundo de la diégesis.

El uso de una prótesis, muletas y una venda elástica, podía remitir al cuerpo herido del bailarín o del deportista. Un cuerpo explotado físicamente, un cuerpo lastimado, insuficiente, que necesita de ornamentos para poder usarse, un cuerpo objeto, un cuerpo usado.

El trabajo corporal también aludía de cierta manera al cuerpo urbano. El cuerpo que se despliega en la calle al igual que la música al estilo beat box (dentro del mundo del hip hop –danza urbana- es aquél que hace ritmos con su boca). Estos sonidos componían temas rítmicos que convertían la propuesta en un concierto musical callejero. Por eso propuestas como estas abren la pregunta sobre el sentido de la danza.

¿Qué es una obra de danza? ¿Qué la define? ¿O es que la danza, en su abarcabilidad infinita, se expande más allá del movimiento de los cuerpos para crear nuevas piezas? ¿O quizás sólo se lanza a redescubrir su ser en otros espacios? La danza es sonido, luz, color, palabra. Es un texto que se inscribe en los cuerpos, que se proyecta desde los cuerpos, desde su silencio hacia el cuerpo otro que lo escucha y le completa el sentido.

En Dúplice, los sonidos se multiplicaban de manera poética expandiendo su sentido por la sala.

Qué: Dúplice

Quién: Actuación y coreografía: Rodrigo Cruz, Rodrigo Cunha.-Iluminación: Rodrigo Assis.- Fotografía: Layza Vasconcelos.- Producción: Marci Dornelas, Sacha Witkowski.- Colaboración general: Souhail Assal, Erica Bearlz, Valéria Braga, Ernesto Gadelha

Dónde: Centro Cultural de la Cooperación. Avda. Corrientes 1543

Cuándo: jueves 27 de mayo 22 hs.

OTROS RUIDOS SERÁN

2010-06-05T10:39:00.000-07:00

Es fin de semana y como es habitual en El portón de Sánchez siempre hay un poco de danza para compartir. Esta vez se trata de Serán otros los ruidos.

La obra busca narrar tres historias de amor situadas en tres épocas de convulsión social: los años ´40, los ´70 y algún momento indescifrable del Siglo XXI.

Acompañados por proyecciones, los cuerpos cuentan las historias en una mixtura entre danza y teatro que no termina de definirse y se queda a medio camino a nivel expresivo pese a la entrega que parecen ofrecer los intérpretes..

La escena puede evocar al principio algún patio o terraza con sogas desde donde cuelgan telas como sábanas puestas a secar al sol. Luego estas mismas telas son paredes o vestuarios. De esta manera se juega con un efecto donde lo proyectado se reparte entre distintos planos abarcando por momentos todo el espacio.

En ese ambiente creado se encuentran los personajes a desarrollar su historia de amor que se ve constantemente interrumpida por alguna explosión. Con el apoyo audiovisual se realiza la ubicación temporal a la vez que parece contraponerse el momento de convulsión social -e incluso de guerra y destrucción- al instante amoroso. De tal forma podría surgir la oposición amor/guerra como las dos pulsiones de vida y muerte que conviven en el ser, tanto individual como social y colectivo.

La relación con lo erótico vinculado al momento amoroso puede entenderse de manera confusa. El beso o el sexo, son vividos en escena con cierta intensidad pero a la vez son descritos como algo asqueroso. ¿Es una parodia? Podría suponerse perfectamente debido a la oposición frente a la destrucción que los aqueja e interrumpe como amantes.

Si en una obra puede leerse la concepción de mundo del artista, ¿se trata aquí de ver una alternativa en el amor frente a la destrucción descontrolada de la vida?

En la última historia, dentro de una especie de poética futurista y apocalíptica, surge un halo de esperanza entre las imágenes envolventes que nadan por la sala. Una proyección tridimensional acuna a los intérpretes que parecen yacer desconsolados frente a un árido paisaje.

No hay que olvidar finalmente, que tanto la creación del amor como fuente de vida como la destrucción de la guerra como pozo de la muerte, son producidos por el hombre.

Veremos qué otros ruidos sonarán mañana.

Qué: Serán otros los ruidos

Quién: Idea: Vivian Luz.-Dramaturgia: Laura Ferrari.- Intérpretes: Carlo Argento, Laura Wigutow.- Diseño de vestuario: Mercedes Uria.- Diseño de luces: Miguel Morales.- Video: Daniel Garcia.- Música original: Juan Cristobal Barcesat.- Asistencia general: Leonardo Ruso, Carolina Stéfano.- Coreografía: Vivian Luz.- Puesta en escena: Daniel Marcote.- Dirección: Vivian Luz

Dónde: EL PORTON DE SANCHEZ Sánchez de Bustamante 1034- 4863-2848

Cuándo: Domingo - 18:00 hs

SURMENAGE A TROIS, TRES OBRAS DE DANZA TEATRO

2010-05-13T08:28:00.000-07:00

El Cubo presenta los domingos a la tarde un proyecto que puede resultar atractivo para todo público. El grupo Proyecto Dos, dirigido por Alejando Ibarra y conformado por una compañía de buenos bailarines, tiene para mostrar tres pequeñas y hasta curiosas obras, coreografiadas por tres directores diferentes.

La primera de ellas es Vinilo, dirigida por Gustavo Wons que pone en escena una coreografía con una estética y una técnica del estilo de las obras de jazz americano. Esta propuesta crea un ambiente donde un personaje listo para partir escucha un disco que lo transporta a vivir, con humor y picardía, su atmósfera soñada.

La siguiente es 3 episodios insistenciales 3. Dirigida por la talentosa Karina K rompe con los esquemas de las obras de danza jazz e introduce texto, a diferencia de las otras dos que basan las coreografías en acontecimientos teatrales contados sólo a través de la danza. Esta propuesta se encuentra dividida en tres episodios donde se realiza un interesante juego acerca de la evolución del hombre. Del mono, al hombre y del hombre al bailarín. Así, uno podría llegar a pensar diversas cuestiones acerca de la evolución y las posibilidades que brinda el arte en el desarrollo del ser humano.

La última coreografía titulada Urbanópolis y dirigida por el director general de la propuesta, recurre al mismo estilo que la primera planteando distintas escenas de la vida cotidiana en la urbe. Con humor y dosis de ironía, juega con situaciones que son de actualidad en todos los medios. De esta forma se pueden ver la inseguridad, el celibato religioso y la elección sexual, introducidas en una puesta donde la calle, el transporte y la fauna urbana que los habita, se llenan de cuerpo en el escenario.

Todo este despliegue es posible y sobre todo disfrutable, gracias al nivel de los bailarines que acompañan con su técnica, frescura y luz la iluminación de la sala.

Qué: Surmenage a trois
Quién: Intérpretes: Romina Cecchettini, Cristian Falcón, Ariel Juin, Luciana Larocca, Agustina Maria Leoni, Juan José Marco, Milagros Michael, Francisco Prieto, Rodolfo Santamarina.- Coreografías: Alejandro Ibarra, Karina K, Gustavo Wons.- Dirección general: Alejandro Ibarra

Dónde: EL CUBO Zelaya 3053.- 4963-2568

Cuándo: Domingos 17:00 hs

JUJUY

2010-04-29T10:32:00.000-07:00

Una tierra que está adentro, pero sin embargo lejana. Eso parece Jujuy. “Revela el mapa crudo de aquello que tiende a ocultarse”, señala su gacetilla. Un mapa crudo, como una tierra olvidada, como un espacio alejado. La distancia que separa a los dos intérpretes de esta pieza. Paradójica distancia que los une.

El arte siempre se vincula con la vida, es parte de su expresión. Por eso es imposible evitar leer al autor en la expresión artística. Tratándose de danza, el director no puede callar a través de esos cuerpos que dirige. El director habla con estos cuerpos que son su voz en el espacio, son las letras que articula dejando ver una parte del texto. La otra se completa en el espectador, el lector del movimiento, la luz y el espacio.

Aquí va una lectura.

En Jujuy hay una unión en el desacuerdo, en la desunión, en la diferencia entre el hombre y la mujer. Existe también una especie de simbiosis entre ambos, con el juego de cambios de vestuario -donde están los dos vestidos como él al principio o como ella, con pollera- parece proponer distintas posibilidades de parejas. De esta manera manifiesta diferentes opciones frente a lo que solía ser socialmente estipulado (digo ‘solía’ porque hoy las opciones sexuales están más integradas, aunque todavía falta camino). Aunque ese ser en espejo mediante el vestuario y quizás algunos movimientos, no es equilibrado. Se destaca el lugar de la mujer. No por tratarse de un lugar predominantemente femenino (con todas las implicancias que este término puede tener) sino por estar la mujer en un lugar de mando.

Ella dirige, ordena, aprueba o desaprueba. Se ve muy definido el espacio de mujer dominante (y hasta castradora).

La escenografía inclinada y recortando planos en distorsión, propone una ruptura de la visión en cuanto a las líneas del horizonte. Nada hay derecho, todo está rompiendo el espacio clásico, como una toma inclinada en una película. También el espacio abierto como una ventana donde uno es invitado a espiar es una zona de ruptura. Dentro de este lugar aparece una televisión, como un juego de espacios dentro de espacios que conecta a su vez con un supuesto afuera. Un afuera distorsionado debido a la ausencia de una imagen inteligible. De nuevo distorsión, ruptura.

La danza se realiza intercalando movimientos entrecortados y movimientos fluidos. Los bailarines -conjugando expresividad y técnica- se comunican, se burlan, se esconden. Se buscan y rehuyen. “Una comunicación a través del desacuerdo”. En su performance se incluyen elementos absurdos de humor clownesco como caretas de animales que también pueden hacer alusión a una Jujuy tierra como un espacio otro, diferente, distorsionado.

La música le da calidez y unión, con un motivo que se repite sutilmente yendo y viniendo a lo largo de la pieza como un paso de zamba.

Algo significativo son los palitos que ella come. Palos que muerde entre medio, mientras baila, mientras mira, mientras se cambia. Por eso, el final pareciera estar más en la escena donde ella se sienta frente a la tele. Allí está comiendo un palito y en un impulso él se lo saca, como si le quitara el poder y dijera ‘el palo es mío’.

Después de esta escena frente a la televisión, la obra se prolonga en una situación que no parece agregar nada más, como si se tratara de una coda musical, o un eco reverberando en las quebradas de Jujuy.

Qué: Jujuy

Quién: Rosaura García, Emanuel Ludueña Dirección: Ana Garat

Dónde: EL CAMARÍN DE LAS MUSAS Mario Bravo 960

Cuándo: Sábados 20:30 hs

ÁSPERA Y SENSIBLE. UNA INSTALACIÓN DE FOTOS DANZADA

2010-04-08T07:19:00.000-07:00

Para formar parte de esta propuesta, aunque sólo sea como ojo que espía, la persona ha de poner en funcionamiento su cuerpo para desplazarse a una zona de la ciudad donde no abundan las salas teatrales.

El espacio que alberga la obra Áspera y sensible -composición del grupo No se llama- es una antigua casa remodelada del barrio de La Boca Dulce. A metros de una Avenida Patricios en ‘reconstrucción’, la casona sumerge al espectador en un universo paralelo al mundo exterior.

El ambiente se conjuga perfectamente con la propuesta dando la sensación de que no existe el uno sin el otro. El espectador es actor en esta especie de viaje que lo obliga a desplazarse por el espacio en busca de presenciar el acto siguiente. Un espectador dinámico que puede elegir su punto de vista en la observación del cuadro, pues cada composición ofrece varias opciones, como distintos encuadres para ser mirados de acuerdo a lo que el ojo se interese en ver.

Desde el inicio, el público es impulsado a recorrer la casa asomándose a las diferentes habitaciones. En ellas, las integrantes del grupo componen pequeñas piezas que son como puestas en escena pensadas para cada ambiente en particular. Un cuarto con unos sillones, un armario y una radio antigua, es decorado de una escena afín donde las mujeres juegan con su sensualidad. Otro espacio con un andamio en una especie de sótano, es ambientado por las interpretaciones como una obra en construcción subterránea.

Así, el público es transportado por toda la casa, habitando junto a las performers cada espacio con sus paredes, muebles, plantas, luces, sombras, sonidos o aromas. A veces salvajes, a veces urbanos.

La música y la iluminación se complementan con el recorrido como si fuera un viaje que por momentos mostrara una cara áspera y de a ratos, un aspecto sensible.

Las chicas que componen la propuesta se mueven con libertad utilizando su cuerpo como herramienta viva más allá de técnicas o convencionalismos relacionados a la estética corporal del bailarín.

Más que una obra de danza pareciera ser una exposición de situaciones, como cuadros vivos en tres dimensiones donde el espectador es invitado a completar con su presencia la composición. Las dinámicas varían en cada puesta de acuerdo al ritmo de acompañamiento del público y su posicionamiento frente a estos micro escenarios móviles y vivos.

La propuesta es interesante porque pone de relieve al espectador, cuyo lugar activo debería ser imprescindible como el integrante faltante para completar una obra.

Qué: Áspera y sensible

Quién: Intérpretes y coréografas: Ximena Ayerbe, Mariana Carli, Guadalupe Seregni, Luciana Seregni, Luciana Spadafora.- Músicos: Daniel Figueroa.-Diseño de luces: Eduardo Spindola.-Diseño sonoro: Daniel Figueroa.-Fotografía: Florencia Bié.-Asistencia general: Ramiro Bailiarini.-

Dónde: QUERIDA ELENA.- Pi y Margall 1124.- Teléfonos: 4361-5040 Con consumición: $ 30,00

Cuándo: - Jueves - 21:30 hs - Hasta el 29/04/2010

ALASKA TIENE FRÍO

2010-04-06T11:50:00.000-07:00

“Alaska es un lugar que todos conocemos pero al que nadie nunca fue.” Así se expresa la obra en su difusión quizás como una forma de acercar al público al sentido de lo que va a presenciar. También es informado de la intención de hablar sobre el cuerpo como recipiente de recuerdos donde se guarda todo, aunque ese todo no sea dicho nunca.

La idea es llegar a ese espacio a través del lenguaje del cuerpo. Y expresarlo en el espacio, desplegarlo en la escena.

La puesta presenta un cuadrado blanco como suelo. Sentado en una silla y moviéndose de lugar, como si no hallara el punto justo donde hallarse, hay un hombre con un cartel que dice ‘Estoy desesperado’.

A un lateral se ve a los músicos. Un violinista y un pianista junto a una computadora desde la que saldrán distintas bases, serán los encargados de poner el sonido que sople aire tibio sobre Alaska.

Además del ‘hombre desesperado, componen la propuesta en materia de cuerpo otro hombre y dos mujeres. Ellas parecen histéricas o incluso atormentadas. Se sacuden al lado del hombre desesperado, se contonean. Pero este movimiento se ve tal vez sin expresión sensual, ellas parecen más bien angustiadas.

El hombre restante entra luego al espacio donde se mueve con su propia coreografía, se quita los pantalones, se los pone, una de ellas se los quita. Esta es desnudada y movida entre todos por el cuadrado. La colocan en una pose, la observan, la cambian, la miran desde distintos ángulos.

Una pareja se abraza, entra una de las chicas y besa al hombre por encima de la otra mujer, que luego se retira. La chica baila, él se sube a una silla y toca con una cuchara sobre su cuerpo.

Entran los dos hombres, se sientan, bailan juntos, se dan la mano.

Corren por el espacio, una salta y la sujetan en el aire, otra salta, se mueven veloces.

El se sienta frente al público y mirando a todos, dice ‘ahora sí pueden hacerme preguntas personales’ (o algo similar). ¿Ahora? ¿Por qué? ¿Antes no? ¿A qué se debe? ¿La idea es el sinsentido, poner de manifiesto el intento desesperado del hombre por encontrarle un sentido a todo lo que lo rodea?

Corren todos por el borde del espacio.

Entran los hombres y se besan, sin gusto ni ganas, pero se besan en la boca.

Todos fuera, ella va a entrar, cae una mesa y se rompe.

¿Qué pasa? ¿Cuál es el sentido? La descripción verbal de las situaciones montadas es una forma de intentar encontrar el significado de los movimientos en la escena a través de la palabra.

Los cuerpos sacudidos, la desesperación, la distancia entre los cuerpos, la seducción, la diversidad, el cuerpo objeto manipulado, la desnudez, los besos, el vértigo.

Las escenas no parecen guardar relación entre sí. Si hay un hilo que las conecta debe ser en relación a lo que expresa la comunicación escrita de difusión de la obra que nombra a Alaska como lugar interior donde se guarda todo lo que no se dijo en relación con una experiencia personal. Donde se supone que estos cuatro personajes que habitan el espacio “apelan a la memoria de lo vivido para encontrar en el cuerpo la experiencia de lo que no ha sido develado.” Lo vuelcan en estas secuencias quizás inconexas para la mente conciente, como todo lo que habita la memoria. Recuerdos que se superponen, pensamientos que conviven en planos distintos y pueden salir a la superficie sin relación aparentemente coherente entre sí.

La situación, en ocasiones indispensable, de conocer la gacetilla para la comprensión de una obra, o incluso para poder acercarse a un mínimo sentido, obliga al espectador a indagar un poco antes de enfrentar propuestas que deben ser develadas como un gran interrogante. En ellas no hay respuestas ni frases simples ni historias sencillas.

Eso es Alaska, un lugar lejano y frío al que hay que acercarse para desentrañar.

Qué: Alaska

Quién: Idea y dirección: Diana Szeinblum.- Intérpretes: Lucas Condró, Alejandra Ferreyra Ortíz, Pablo Lugones, Leticia Mazur.- Músicos: Mariano Malamud, Juan Tobal

Vestuario: Cecilia Alassia.- Iluminación: Gonzalo Córdova.- Música original: Ulises Conti.-Fotografía: Jazmín Tesone.- Diseño gráfico: Javier Veraldi.- Asistencia de dirección: Jazmín Tesone.- Producción: Gustavo Kotic.-

Dónde: ESPACIO CALLEJÓN Humahuaca 3759 Teléfonos: 4862-1167

Cuándo: Sábados - 23:00 hs

OUROBORO EL JEROGLÍFICO DEL CUERPO

2010-03-31T08:11:00.000-07:00

El Centro Cultural de la Cooperación ofrece desde su escena en la sala Solidaridad una propuesta que de algún modo intenta impactar en el espectador. Ouroboro, es una obra de danza cuya puesta en escena despojada propone el enfrentamiento directo con los cuerpos y la forma. En uno de los programas que te brindan se habla de “interrelacionarse indefinidamente”. La propuesta, que alcanza casi las 2 horas de duración, pone en jaque al espectador que en muchos casos se esfuerza por interrelacionarse con la pieza.

Cuatro performers entran en escena vestidos con ropa deportiva y se ubican en los vértices de lo que sería la caja teatral. Luego entra un quinto que da comienzo al movimiento. El orden es aleatorio y varía en cada función generando distintos juegos en las secuencias. Se produce un ‘in crescendo’ con la incorporación de cada uno a la vez que se suman sonidos y ritmo a la base inicial. El cuerpo es desarticulado en movimientos precisos y lentos, movimientos y formas que parecen haber sido buscados a fondo. Se ven cuerpos preparados.

Cuerpos para ver. Cuerpos máquina. Cuerpos alienados. Cuerpos que hablan sin decir nada. Los intérpretes se relacionan a través de sus patrones de movimiento en formas donde parecieran no comunicarse nunca. Se cruzan, se rozan, hasta pueden tocarse, pero si existe un vínculo éste es invisible.

La música que acompaña son sonidos electrónicos en vivo disparados por Mauro AP. Al principio es apenas una base similar al zumbido que queda en los oídos luego de una fiesta.

Hay en la atmósfera un halo de vacío en esa repetición maquinal, como un no ser del cuerpo que es demasiado cuerpo. Un cuerpo explorado en cada articulación. En cada detalle, respiración, repetición de esos patrones de movimiento.

Los mismos intérpretes parecen articularse como si formaran parte de un mecanismo. Como si se tratara de la puesta en escena de una jornada laboral en una fábrica. Su vínculo está ahí. Tiene algo fabril en su alienación. Algo rutinario, trabajo encadenado.

Tal vez es demasiado larga para poder mantener la concentración. Al principio se oye cada movimiento en las butacas, pero los espectadores están atentos. Luego de pasada la hora el público puede dispersarse y llegar a aburrirse.

Por eso es importante la pregunta sobre el sentido de estos cuerpos ¿qué nos dicen? ¿Qué significan estos cuerpos, estos movimientos insertados en su contexto, en la actualidad? En una época de abulia y desconexión.

Al final todos giran como mareados. ¿Es una manera de nombrar la ausencia de rumbo? ¿O la alienación de un sistema que anula la comunicación?

En el espectador está la respuesta. En el retorno del eco que el sonido de la obra dispara.

Finaliza este jueves 1º de abril

Qué: Ouroboro

Quién: Idea y dirección: Luís Garay.- Intérpretes: Juan González, Iván Haidar, Leticia Mazur, Nicolas Poggi, Florencia Vecino.- Música original: Mauro Ap.-Iluminación: Eduardo Maggiolo

Dónde: Centro Cultural de la Cooperación, Sala Solidaridad. Av. Corrientes 1543.

Cuándo: jueves a las 21.00 hs

EL CUERPO Y SU DOBLE

2010-03-28T10:26:00.000-07:00

Anclar, fondear, aferrar, amarrar, echar anclas.

Imaginar el opuesto.
Levar anclas, desamarrar, soltar, desprenderse.

La propuesta que presenta Fabiana Capriotti, plantea la relación entre la construcción del movimiento y el pensamiento que acompaña ese movimiento, sea en la misma dirección, en paralelo o en sentido contrario. Imposible desprenderse del pensamiento. Cuerpo y mente divagan juntos en la forma. Juntos pero separados. Juntos dándole uno sentido al otro. Como forma y contenido.

En esta propuesta se está jugando a describir la danza mientras se danza, jugando a no pensar mientras se piensa. La manera es una búsqueda que pone de manifiesto el intento de nombrar lo innombrable. Imposibles humanos.

La obra juega con las palabras desde el mismo título. Anclar pero imaginar el opuesto. Anclar en la instantaneidad de un movimiento fugitivo. ¿Cómo anclar en algo tan inapresable como el movimiento? Fugaz e irrepetible. Es como tratar de capturar el sonido de la música con las manos. Imposible humano.

Pero anclar en lo efímero es una manera de arrojo comprometido, de entrega profunda en lo que se hace.

Siete mujeres entran y salen de escena, tocan el espacio, se tocan, se juntan, se separan, se copian, se acuestan. Dicen lo que hacen. ¿Qué está primero, decir o hacer? ¿El pensamiento ordena el movimiento o el cuerpo ordena el pensamiento?

Es como una fotografía. El negativo y el positivo en escena. Mujeres al desnudo, mostrando toda su piel. Mujeres vestidas. Vestidas de negro. Positivo y negativo de mujer, anverso y reverso del ser.

La espesura de los signos no puede decodificarse. Es un reflejo eterno de espejos enfrentados. ¿Cuál está primero, quién refleja a quién?

Estas preguntas se abren a partir de una reflexión corporal, de una puesta en escena que muestra el conflicto cuerpo/mente desanudándolo.

Las intérpretes fluyen en el espacio que las rodea y las penetra, son parte de las curvas, el suelo, la pared, el público. Se observa un estilo de composición que tiene que ver con el trabajo de composición instantánea propuesto por su directora Fabiana Capriotti. Una forma que pone de manifiesto la inteligencia corporal. No todo se puede nombrar pese a que lo que no se nombra puede hacer síntoma. Como expresa la gacetilla “Si hay alguna verdad ésta existe en el cuerpo, no en la palabra”.

La propuesta es una investigación en movimiento, con el cuerpo vivo diciéndose a sí mismo y la danza si se quiere, como excusa para preguntarse por el ser.

Vale la pena anclarse.

Qué: Anclar. Imaginar el Opuesto

Quién: Concepción: Fabiana Capriotti Actuan: Ana Armas, Lucía Disalvo, Roberta Menzzaghi, Paula Müller, Mariela Pujol, Elina Rodríguez, Dalilah Spritz.-Diseño de luces: Julieta Ascar

Dónde: No Avestruz Humboldt 1857

Cuándo: Jueves de marzo 21 hs.

OBJETOS. NOSOTROS Y LAS COSAS

2010-03-25T14:34:00.000-07:00

La Cía. Móvil presenta una obra de danza con música en vivo en El portón de Sánchez. Su propuesta busca investigar la relación del sujeto/bailarín con el objeto/cosa. De alguna manera subjetivar el objeto a través del vínculo que el cuerpo establece mediante la danza y la música. O como expresa la compañía “revelar a través de la imaginación, la danza y la música que los objetos materiales ocultan”.

La música en vivo –piano y batería- acompañan impregnando el espacio de ese sonido especial que tiene la ejecución en directo, tan diferente de la música grabada por más buena calidad sonora que posea. De esta manera, la relación entre los bailarines y el ambiente, así como entre ellos y con los objetos, se ve enriquecida por el lenguaje con los músicos. Se establece una comunicación mucho más directa.

Los bailarines ocupan el espacio en su totalidad, desplazándose desde el fondo hasta el frente con libertad, llegando por momentos antes que la iluminación. Sus movimientos a veces parecen jugar con la música al punto que no se sabe quién dirige. Si es sobre la partitura musical que se ejecuta el movimiento o es sobre los movimientos que los músicos hacen sonar una nota u otra. Se crean así atmósferas de complicidad donde también parece quedar clara la relación con los objetos y alguna de las preguntas disparadoras de la investigación. ¿Cómo sería el trapo si fuera hombre? es una de ellas.

La obra avanza con un despliegue en donde cada intérprete muestra sus cualidades, recursos que se intensificarían en una mayor condensación temporal. Cabe destacar el disfrute de la expresión del rostro, que cada uno explota dentro de su personalidad. Así se incluye un aspecto muchas veces olvidado por la danza contemporánea que adopta generalmente una cara neutral para la composición de sus coreografías. Acá se pueden observar expresiones que acompañan los distintos momentos, incorporando el humor que es también un factor fundamental para darle frescura a composiciones que resultan muy solemnes.

Objetos que bailan tratando de vivir, música objeto que respira en los cuerpos. Un intento de animar el mundo inerte de objetos que nos miran.

Qué: Objetos
Quién: Intérpretes: Maria Del Mar Codazzi, Emiliano Formia, Ramiro Soñez, Victoria Viberti.- Músicos: Carto Brandán, Marco Sanguinetti.- Dirección: Ines Armas, Fagner Pavan
Dónde: El Portón de Sánchez.- Sánchez de Bustamante 1034
Cuándo: Viernes - 21:00 hs - Hasta el 30/04/2010

MUARÉ: PERCEPCIÓN ALTERADA

2010-03-01T12:22:00.000-08:00

Según algunas definiciones, el muaré o efecto muaré es una estructura en forma de bandas alternadamente oscuras y brillantes que surgen al superponer dos estructuras periódicas. En la gacetilla de Muaré se puede leer: “El efecto MUARÉ se origina cuando la repetición de patrones de dibujo produce una percepción visual novedosa”. La obra pareciera proponer, a través del diseño espacial, este efecto visual. Pero el efecto muaré también puede pensarse en relación a la escena planteada.

Hay una fiesta, pero está afuera. Lo sabemos por el sonido que llega. Frente al público se ve un sillón donde están amontonados los abrigos de los invitados. Este cuarto será el lugar de encuentro de dos personajes que parecieran no participar de la fiesta.

Un efecto de sombras tras una puerta hace ver un cuerpo deforme, que se agranda y achica, que ondula, que se acerca. La luz también es danza.

El movimiento vibratorio, ‘gelatinoso’ y a veces espástico de las intérpretes produce una sensación de inestabilidad que bien pudiera describir la situación de ambas dentro de la fiesta. Propone una ruptura con los movimientos armoniosos y estables de una danza más clásica. Se podría pensar en un lenguaje disonante, alterado, propio y divertido. Ellas no encajan o no se integran o no pertenecen a ese espacio otro de afuera, de la confusión de la fiesta. Ellas tienen su propio desorden.

¿Qué sucede en la fiesta allá afuera? ¿Qué les pasa a ellas? Hay que seguir la corriente, saludar, reír, bailar, comer un bocadito, integrarse, ser como los demás, formar parte de. Pero estas dos amigas no parecen conseguirlo (o quererlo). Se esconden en el cuarto de los abrigos como en busca de un espacio de intimidad, donde ser ellas mismas, escapando del sonido aturdidor de la fiesta pero en su aturdimiento personal.

También manifiestan su propio estado encerradas en una bolsa de plástico asfixiante, aisladas en una atmósfera totalmente diferente de lo que uno puede imaginar de un estado festivo. Momento que más breve hubiera resultado más contundente.

Más allá del trabajo corporal intenso de las intérpretes -cuya calidad va menguando un poco hacia el final de la obra- cabría preguntarse qué sería el Muaré dentro de la propuesta. ¿Son ellas el efecto novedoso o disonante en la trama del evento Fiesta? ¿O es la fiesta la estructura que surge paralela a las tramas que son ellas y su propia fiesta? ¿Qué pasa con lo diferente, lo que no encaja, lo que no forma parte? ¿Tiene lugar?

Finalmente queda sólo un zumbido en los oídos, resaca de aturdimiento sonoro, recuerdo de la fiesta.

Pero pareciera que vale la pena si uno la pasa bien.

Qué: Muaré

Quién: Interpretada y dirigida por Natalia López y Marina Quesada

Dónde: El Camarín de las Musas (Mario Bravo 960 Teléfonos: 4862-0655)
Cuándo: Domingos 21 hs. (Hasta el 28/03/2010)

DIALOGANDO CON EL MOVIMIENTO DE LA VIDA

2009-12-05T14:09:00.000-08:00

Decir que María Fux da un ejemplo de vida es caer en un lugar simple y común. Cualquiera que viera bailar a una persona de casi 90 años en un escenario pensaría eso. Fueron dos las funciones que brindó la bailarina y danzaterapeuta en el Centro Cultural de la Cooperación (a sala llena el día que asistí). Allí no sólo confirmó que se puede bailar toda la vida, sino además que el arte del movimiento es una vía interesante para salud.

La danzaterapia, disciplina que ha desarrollado María Fux como precursora en Argentina, es una “técnica corporal que interrelaciona arte (danza) y ciencia (psicología) para la atención de problemas de salud y de aprendizaje en un proceso de integración psicofísica” (Graciela Vella[1]).
La expresión de cada ser humano es única. A través de ella se comunican emociones, pensamientos, ideas, imágenes, intercambiando experiencias con los demás y enriqueciendo las propias. Mediante el lenguaje del cuerpo es posible incluso expresar aquello a lo que la palabra no tiene acceso. Lo que no se nombra pero necesita ser dicho, hace síntoma en el cuerpo. De ahí que sea tan importante para la salud la expresión corporal.
A sus 87 años María pone en escena su corporalidad y su experiencia. Dialoga con el infinito en un intento por tocar el tiempo que se fue. Las imágenes con las que juega se extienden más allá de los cuadros proyectados. Son sus propias imágenes marcadas en el cuerpo las que salen al encuentro del imaginario de las obras que la atraviesan en la pantalla. Lo creado se filtra hacia el público que hasta puede llegar a compartir las sensaciones perceptivas de algunas imágenes a las que María les pone sonidos además del cuerpo.
La obra que desarrolla muestra de alguna manera el trabajo que ella realiza en sus clases, donde busca la integración de personas con capacidades diferentes.
Aquí habla del tiempo, de los miedos, del silencio, de lo que no sabemos. Todas cuestiones compartidas por el ser humano y puestas en escena por las imágenes que el movimiento suscita.
La vida es movimiento, fluye como el agua, sin detenerse.
Lo que se mueve está vivo.
María destila plenitud.
[1] Bailarina y danzaterapeuta argentina

EN BUSCA DE LA PROPIA SINTONÍA

2009-11-25T09:07:00.000-08:00

Tramatango es una propuesta de tango dirigida por Milena Plebs. La bailarina y coreógrafa junto a un grupo de bailarines y bajo el asesoramiento artístico de Alejandro Cervera crea un espectáculo donde el lenguaje del tango se acerca a las fronteras de la danza contemporánea y las traspasa
El espectáculo recorre tres paisajes: Sintonías, Pugliese Yumba y Tango Congo. Según Milena se trata de “tres paisajes, tres miradas, tres estilos para una misma pasión.”

Sintonías juega con el universo del tango usando recursos de la danza contemporánea. La coreografía es fluida y dinámica. El lenguaje expresa una forma actual de bailar, más propio de aquellos que en los últimos años se han profesionalizado en el tango imprimiendo en la tradición del baile formas personales. El acompañamiento sonoro se aleja de la música típica y ahonda en sonidos más contemporáneos creando atmósferas donde los movimientos se expresan con mayor libertad. Si fuera un poco menos extenso se disfrutaría mejor el juego de las parejas y la coreografía.
Pugliese Yumba es un homenaje a Osvaldo Pugliese y su orquesta. La música sumerge al espectador de tango nuevamente en lo conocido.
Los cambios de luces (que a veces se echan de menos) colaboran con lo que sería una puesta escenográfica y ayudan a enriquecer el espacio que por momentos está muy vacío.
En Tango Congo, aparece lo más novedoso de la propuesta. Como nace a partir de la inquietud de la coreógrafa por bucear en el supuesto origen afro del tango, recurre a mayor creatividad en las coreografías. Consta de dos partes “Rojo Ritual” y “Sitios de Tango”. En la primera, las luces bañan el espacio armando un ambiente de ensueño. Se genera así un entramado de luces que cubre el piso del escenario donde los bailarines se balancean en una danza ritual. Los movimientos son novedosos y rupturistas con lo que sería un espectáculo de tango. Están descalzos, ruedan, saltan, giran, se agrupan y separan, van y vienen como las olas. Logran transmitir una sensación de dinamismo expresivo que vuelve original al espectáculo.
En la fusión de estos movimientos con los característicos del tango parece haber una semilla de algo que puede ser muy interesante como lenguaje futuro.
El sonido alterna ritmos de percusión y tango contemporáneo, algo que apoya lo experimental de la propuesta.
La segunda parte muestra danzas con un espíritu más alegre y festivo pero propios de los ritmos musicales del tango y la milonga, y con pasos más comunes del lenguaje tanguero.
La totalidad del espectáculo parece como la unión de dos caminos que hicieran enclave en la figura de Milena y su recorrido en el mundo del la danza y el tango. Por un lado está lo que tiene que ver con su historia, su evolución como bailarina, su pasaje de la danza contemporánea al tango y su aporte para que el tango fuera conocido a nivel mundial. Por otro lado está lo que ella puede proponer e investigar desde su bagaje personal abriendo una puerta hacia un posible futuro del tango actual.
La obra en sí no tiene una dramaturgia clara más que el propio camino de Milena y sus intereses investigativos o expresivos. Los bailarines no forman parte de un cuerpo de baile establecido, aunque su heterogeneidad enriquece y podría ser el principio de una nueva y hasta original compañía.
En general, la sensación que deja es de ver el germen de algo que promete con el peso de una figura que puede prometer como Milena.

El SONIDO INTERIOR DE UN CUERPO EN MOVIMIENTO

2009-11-18T08:16:00.000-08:00

El Borges está festejando la semana de la India y tengo que subir las escaleras entre telas, elefantes de madera, pipas y gente que pasea en busca de algo curioso para comprar. En uno de los pabellones hay una sala pequeña dispuesta para la función. Allí Alejandra Ceriani realiza las últimas pruebas de Speak 3.0, el proyecto que presentará esta noche. Artista plástica, ceramista, bailarina, performer e investigadora, nos introduce en su búsqueda personal y en el mundo de las relaciones del arte con la tecnología.
¿Cuál es tu propuesta?
Mi interés ronda en función del sonido. Siempre trabajé con músicos en escena, en vivo, donde producíamos sonidos que el músico amplificaba.. Lo último que hice con Gabriel Gendin en el Rojas todavía era mitad analógico, mitad digital (no existían este tipo de programaciones). Yo tenía que pisar unos pedales con un cable larguísimo y haciendo contacto con unos tornillos. Ahí hacía la coreografía y ensayaba con el músico, pero después en el escenario tenía que unir todo. Luego empecé a investigar algo mucho más minimalista. Cursé en La Plata ‘Programaciones interactivas’, un seminario de postgrado de la Facultad de Bellas Artes, que lo daba Emiliano Causa. El nos pedía que pensáramos o creáramos una metáfora para plantearnos qué objetos de la programación nos iban a hacer falta.
¿Cuál fue tu metáfora?
La metáfora que yo pensé era cómo suena el cuerpo adentro cuando nos movemos, qué sonidos se producen al moverse. La interfase era la cámara web. A partir de esa metáfora armé la programación. Me movía y sonaba. Pero en la programación que había armado descubrí que la luz incidía. Si la luz no me daba en el cuerpo, no sonaba. Por eso acá estoy de blanco, porque la lectura la sigue haciendo el píxel blanco. Ya no es el cuerpo el que está haciendo funcionar la cuestión, es el cuerpo más la luz, empiezan a conjugarse varias cosas. Ya no es el cuerpo nada más.
¿Y tu búsqueda hacia dónde va?
Lo que me interesa tiene que ver con una cuestión formal. El tema de la gestualidad expresiva, entrar en diálogo con la tecnología, que el cuerpo pueda dialogar con estas interfases. Mi hipótesis es que al trabajar con interacción en tiempo real surge la cuestión del descentramiento de la formación antropocéntrica del bailarín.
¿Te sentís en contacto con la danza o con otro tipo de artista?
Con lo que tiene más que ver con la performance. Acá hay más trabajos con cosas pre seteadas donde el bailarín sabe dónde ubicarse, qué tiene que hacer. Como espectáculo es interesante. La composición en tiempo real es un riesgo, hay gente que puede no gustarle para nada y hay otra que lo hace como Valeria Pagola. Poder vincular la danza con el sonido a mí me resulta súper interesante.
¿Y qué tipo de entrenamiento hacen?
Lo que hago como entrenamiento es natación y gimnasia acuática, todo en el agua. Este corset (lleva puesto un corset que parece parte del vestuario) es por una hernia de disco y un intervertebrador que tengo puesto. Es como una de las posibilidades que yo tengo de seguir moviéndome, me protege de no hacer determinados movimientos. Además tengo 46 años y vos decís, toda la vida no se puede bailar igual.
¿Pero toda la vida se puede bailar?
Claro. Todo este año nos hemos juntado varias veces por semana y lo que está hecho son cosas que van tomando forma cada vez. En la experimentación no en el ‘vamos a pensar que...’Sino en probar.
Por otro lado hay que ir a veces desandando lo que uno anduvo mal, porque la danza tiene esa cuestión. Uno hace técnicas y nunca piensa si esa técnica corresponde al cuerpo de uno. Uno fuerza el cuerpo y generalmente muchos bailarines terminan lastimados o lesionados. Hay que desandar ese camino.
¿A qué te referís con espacio ‘inmersivo’? ¿Está en relación con el público?
Si. Nos interesa que ese espacio se cree para el público, que pueda entrar en esa situación. Que el cuerpo esté todo el tiempo envuelto. Buscamos la cuestión más sinestésica. También hemos probado terminar y explicar como funciona, explicar lo conceptual, las ideas. Estoy trabajando en un texto que tengo que escribir acerca de qué sería una performance interactiva y qué vinculación podría tener el espectador con eso. Lo que mayor resultado nos dio fue explicar. Hice ‘Hoseo’ (otro proyecto) en Montevideo y al terminar explicamos y la gente pasó a probar. Muchos dijeron que sería bueno que lo incluyera, que la explicación fuera parte de la performance. Acá en Speak es más complejo porque todavía estamos viendo de qué se trata, estamos investigando. Pero supongo que cuando tengamos un camino hecho podremos empezar a incluir que el espectador pueda conocer cómo funciona. Me parece que ahí cierra el ciclo.
¿Te parece que el público en general tiene acceso a este tipo de proyectos?A mi me interesa mucho que este proyecto recorra distintos espacios. Ahora teníamos que hacer 4 funciones por Pro danza en un espacio que tuviera determinada consistencia. Nosotros también lo hemos hecho en un museo debajo de un dinosaurio, donde la gente pasaba y al que le interesaba se quedaba mirando. A mí me interesa mucho más ese poder de elección, no me interesa trabajarlo en la línea de que haya que venderlo como un espectáculo que no lo es. Yo me muevo bastante por lugares donde está claro que uno está investigando no que está vendiendo algo enlatado.

Alejandra termina de prepararse y se acomoda para su próxima investigación escénica.
Para más info:
http://movimientolaredsd.ning.com/profile/ALEJANDRACERIANI

2009-11-16T07:40:00.000-08:00